Blog de plástica grupo 8: Educación Primaria Semipresencial: LAURA MORALES PALAZÓN

TEMA 1: EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

ARTÍCULO 1: LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA O LA PERVIVENCIA DE UNA PARADOJA

Juan Delgado y Elvira Martínez

Aunque la creatividad y lo artístico deberían ser pilares fundamentales de la enseñanza y aprendizaje de la educación artística en el aula, es necesario resaltar que el alumnado se ve desprovisto de ambas mediante ejercicios y tareas que tienden a la imitación o la simple copia.

Hay varias razones por las que esta situación sigue presente hoy en día:

1. La Educación Visual y Plástica sigue siendo una materia secundaria dentro del curriculum, ya que lo artístico está poco valorado tanto social como pedagógicamente.

2. La actividad plástica es considerada como la obtención de conocimientos, técnicas y destrezas, más que como el buen uso del lenguaje plástico-visual. Esto puede ser debido tanto a la falta de preparación de los docentes de la materia como a la excesiva cantidad de criterios pedagógicos y didácticos que sólo crean confusión.

Respecto a la evolución de la educación artística en España, debemos tener en cuenta los últimos 40 años:

- Antes de los 70, la Plástica o Dibujo se basaba en la reproducción de patrones fijados según niveles, que sólo conseguían repeticiones mecánicas y el aniquilamiento de la creatividad del alumnado.

- En los años 70, y gracias a un cambio en las leyes de educación, se introduce el término de Expresión Plástica y se apuesta por favorecer la creatividad del alumno y su expresión individual. Además, se comienza a considerar la figura del profesor como motivador y posibilitador de recursos y materiales. Durante estos años se produjo una serie de cambios en contenidos, actitudes y metodología, aunque este método no fue utilizado por la gran mayoría de la comunidad docente, sino por los sectores más progresistas de la educación. Como aspecto negativo de la metodología utilizada durante estos años cabe destacar la falta de estructura para guiar al alumno y regular la actividad en el aula sin anular la creatividad y la libertad de expresión.

- En los 80 y 90, aparece un movimiento que intenta convertir el área en una disciplina artística, con contenidos propios y específicos. Era una gran idea que, sin embargo, se convirtió en un modelo parcial debido a la resistencia de la comunidad educativa al cambio y al uso del trabajo imitativo y dependiente del alumno. Se cambia el término Expresión Plástica acuñado en los 70 por el de Artes Plásticas. De nuevo, se vuelve a olvidar darle la importancia necesaria al lenguaje artístico, como ya venía haciéndose en décadas anteriores.

Ya que la función del lenguaje es transmitir unos conocimientos, se debe pretender desarrollar un lenguaje visual donde el ser humano esté en interacción con el entorno, tanto de receptor como de emisor de esos mensajes. Para una correcta adquisición y uso del lenguaje visual se deben aplicar procesos creativos durante la generación del lenguaje:

1. Interiorización-Recepción de sensaciones, percepciones y elementos cognoscitivos.

2. Reflexión-Transformación personal de los datos interiorizados.

3. Expresión- Comunicación de la obra.

A pesar de la disparidad de criterios y elementos que se han estudiado, existen dos modelos que se aún existen en la formación de futuros docentes:

- El que se deriva de la confusión conceptual y pedagógica y el limitado uso de materiales y aprendizaje de técnicas plásticas.

- El que aplica los procesos creativos a las actividades de los alumnos. El problema con este modelo es que los futuros docentes no son enseñados sobre cómo utilizar los activadores creativos para aplicarlos en el aula y obtener una educación creativa.

TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS

ARTÍCULO: LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA

Umberto Eco

1. El número y la música

En la antigüedad, la belleza se identificaba con la proporción. Lo que era proporcionado era bello. Los filósofos de la Grecia antigua definían el mundo como un todo ordenado y gobernado por una sola ley. Sin embargo, Pitágoras fue el primero en afirmar que el número era el principio de todas las cosas, es decir, que el universo está desarrollado gracias a una visión estético-matemática. Las cosas están ordenadas gracias a leyes matemáticas. Esta idea de orden y proporción de lo bello se puede encontrar en la música. De ahí que los pitagóricos estudiaran los sonidos musicales y la forma de organizarlos. Es así como llegaron a la conclusión que los modos musicales pueden influir de manera distinta en la psicología de las personas.

2. La proporción arquitectónica

Las relaciones que regulaban la música entre los griegos también eran usadas para describir o definir las características de los templos y demás edificios de la época. Así, Pitágoras concibió la tetraktys, figura en forma de triángulo que era visto como símbolo de igualdad perfecta. Esta figura es el claro ejemplo de cómo Pitágoras aplicó el concepto aritmético de número a la geometría espacial.

Esta concepción matemática del mundo fue también seguida por Platón. Sus cuerpos regulares fueron entendidos como modelos ideales, que fueron aplicados a la arquitectura. Gracias a la aparición de la imprenta, su obra será reproducida en numerosas ediciones, con dibujos cada vez más rigurosos.

El principio de proporción reaparece en el Renacimiento como práctica arquitectónica a la vez como alusión simbólica y mística. De ahí que existiera predilección por las figuras pentagonales del arte gótico.

3. El cuerpo humano

Para los primeros pitagóricos, la armonía no consistía sólo en la oposición impar/par, derecha/izquierda, masculino/femenino, etc sino que sólo uno de esos contrarios representaba la perfección. Así, lo impar, la recta y el cuadrado eran considerados bellos, y sus opuestos eran tachados de erróneos.

Por el contrario, Heráclito no concebía la anulación de uno de esos contrarios, sin ola convivencia continua de ambos en el universo. De ese modo, la armonía no era la ausencia de contrastes, sino el equilibrio entre ellos. Esa contraposición que se convierte en simetría fue ampliamente aplicada en el arte y la arquitectura.

Dos siglos más tarde, en el siglo IV a. C., Policleto realizó una estatua que fue considerada el canon, ya que establecía todas las reglas de proporción correcta para el cuerpo humano. Todas las partes del cuerpo se adaptan recíprocamente según relaciones proporcionales en el sentido geométrico: el rostro constituía 1/10 de la longitud total, la cabeza 1/8 de la longitud del torax, etc.

En la cultura medieval existía la teoría del homo quadratus, en la que el número adoptaba significados simbólicos basados en correspondencias estéticas. De hecho, el número cuatro se convirtió en primordial: cuatro puntos cardinales, cuatro principales vientos, cuatro estaciones, cuatro fases lunares. Así, cuatro será el número de la perfección moral y estética.

El número cinco también es importante en la cultura medieval, ya que cinco son los géneros vivos (pájaros, peces, plantas, animales y hombres), cinco son las Escrituras religiosas, etc. Cinco también es encontrado en el hombre, ya que puede ser inscrito en un círculo cuyo centro es el ombligo y el perímetro formado por las líneas rectas que unen sus extremidades forman un pentágono.

4. El cosmos y la naturaleza

Para Pitágoras, las mismas reglas que rigen la música y el cuerpo humano se encuentran en la armonía del cosmos. Según él, el microcosmos (la Tierra) y el macrocosmos (el universo) están unidos por una única regla que se manifiesta en música. Los planetas giran en torno a la Tierra inmóvil, generando un sonido que se vuelve más agudo cuanto más alejado está el planeta, que es inaudible para el humano.

Durante la Edad Media, está teoría se verá desarrollada de manera variada pero siempre contando con la belleza musical del mundo.

Durante el siglo XII se tenderá a pensar que Dios dispuso todas las cosas según orden y medida. El cosmos se rige por un principio divino que lo ordena, en contraposición con el caos primigenio. Se da por hecho que la naturaleza es la fuerza inherente en las cosas que organiza ese orden. El contraste es otro factor importante durante esta época. Así, la naturaleza se compone de la armonía y contraste entre lo bello y lo feo.

5. Las otras artes

La proporción también ha sido aplicada a otras artes como la pintura. Siempre se ha intentado que las artes plásticas obtuvieran el mismo nivel matemático que la música. Durante el Renacimiento, el uso de la perspectiva supuso la obtención rigurosa de la belleza, ya que era una representación realista a la vez que agradable a la vista.

6. La adecuación al fin

Tomás de Aquino estableció que la belleza no sólo se compone de proporción sino también de integridad (que cada cosa tenga todas sus partes) y claridad (uso de colores nítidos). En cuanto a la proporción, Tomás de Aquino entiende que, además de la correcta disposición de la materia, es necesario la perfecta adaptación de la materia a la forma.

El principio de adecuación al fin es un elemento básico para completar la belleza de un objeto. Así, la función del objeto es también tenida en cuenta a la hora de determinar si es bello o no.

7. La proporción en la historia

La teoría de la proporción siempre ha estado ligada a la filosofía platónica, donde la realidad son ideas y las cosas reales con imitaciones imperfectas de esas ideas. Platón pensaba que el arte era una imitación imperfecta de la naturaleza que, a su vez, era una imitación imperfecta del mundo ideal. Esta concepción fue típica de los primeros años de la Edad Media aunque no se dejaban de lado la belleza física, ya que los colores y la luz eran elementos importantes para los artistas.

Durante la Edad Media y el Renacimiento existió disparidad entre el ideal de proporción y lo que se construía o representaba. Tan sólo se cumplía, en cierta medida, en arquitectura y la perspectiva. De este modo, si se estudian las obras de la época, se puede observar que hay diferencias notables entre la teoría y lo representado, entre teoría y gustos. Así, la idea de proporción ha ido cambiando con el tiempo en todos los campos artísticos, incluida la música.

Es a finales del Renacimiento cuando hay un cambio sustancial en el concepto de belleza, ya que se pasa de una proporción equilibrada hacia un concepto que va más allá de las matemáticas.

TEMA 3: PERCEPCIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN

ARTÍCULO: Modos de Ver (Capítulo 1)

John Berger

Este artículo se basa en la obra de John Berger, que quiso dedicar su trabajo al estudio y a la enseñanza de lo artístico. Este artículo tiene como idea principal la influencia de la vista o del modo de ver en la percepción artística. La visión es un acto voluntario con el que apreciamos las características de una imagen. Nuestro modo de ver influye en esa comprensión de lo que se está viendo. Así, la realidad visible es entendida en función de lo que percibe el espectador y lo que este percibe está influenciado por el entorno. Lo que se consigue con esto es que una misma obra pueda ser percibida de dos formas totalmente diferentes si es observada o estudiada por dos personas que nada tengan en común.

Dos aspectos a tener en cuenta a la hora de percibir el mundo que nos rodea son la perspectiva y la invención de la cámara. La primera organiza el campo visual, haciendo al espectador ser el centro único del mundo. La segunda, en cambio, demuestra que eso no es cierto. La invención de la cámara cambió el modo de ver de los hombres, y esto quedó reflejado en la pintura.

Para los impresionistas, lo visible ya no era presentado al hombre, sino que lo visible fluía continuamente. Para los cubistas, lo visible ya no era lo que había frente al ojo humano, sino la totalidad de las vistas posibles.

TEMA 4: LA PERSONALIDAD CREATIVIDAD

ARTÍCULO: Arte, educación y creatividad.

Juan Carlos Arañó Gisbert

Este artículo se centra en el estudio y reflexión del término arte y su relación con la creatividad que pueda tener cada persona.

El autor define arte como un fenómeno cultural que como tal, afecta a todos los individuos que pertenecen o comparten dicho contexto cultural. De ahí que el autor afirme que arte y cultura vayan de la mano.

A lo largo del artículo, podemos comprobar cómo se hace una crítica a la sociedad actual y al modo que tenemos de pensar sobre todo en lo que respecta a arte, creatividad, cultura y educación artística. Se entiende arte como modo de expresión pero no de una manera universal, sino sólo para unos cuantos privilegiados que pueden o saben entenderlo y expresarlo. Esta crítica también se centra en cómo nuestra sociedad menosprecia la educación artística en la escuela, ya que se tiende a verla como una materia secundaria frente a otras como lengua castellana o matemáticas.

Otro aspecto a tener en cuenta de este artículo es cómo se estudia el término creatividad. Es de resaltar que ha ido evolucionando a lo largo de la historia, al igual que las personas y la sociedad también han ido cambiando con los años. Las primeras nociones que se tienen de dicho término son ya en la era cristiana, ya que con el culto y veneración hacia lo divino hizo necesario emplear un término como este.

La palabra “creatividad” y lo que se entiende por ella ha ido evolucionando hasta nuestros días, entendiéndola como algo novedoso que está inherente a la persona y que tiene efecto en cada individuo de la sociedad.

TEMA 5: LENGUAJE PLÁSTICO Y VISUAL: CONCEPTOS BÁSICOS

ARTÍCULO: El lenguaje visual

M. Acaso

El extracto de libro se centra en las herramientas de lenguaje visual, diferenciándolas en dos grupos principales:

- Herramientas de configuración, con las que se construyen los significantes y significados de los mensajes.

- Herramientas de organización, que sirven para ordenar y jerarquizar los distintos elementos de dichos mensajes.

HERRAMIENTAS DE CONFIGURACIÓN

El tamaño: que consiste en hacer una escala del modelo inicial, ya sea aumentando o disminuyendo hasta establecer una relación física entre objeto original y producto. La selección del tamaño se realiza según 3 criterios: el impacto psicológico (relación entre el espectador y la representación visual), el efecto de notoriedad (cuando la visualización se convierte en evento, normalmente porque las dimensiones de la obra son enormes para así crear más impacto visual) y la comodidad de manejo o de ubicación (normalmente viene determinado o impuesto al creador de la imagen, por ejemplo, a la hora de diseñar una imagen para un envase).

La forma: se refiere a los límites exteriores del material visual. Se clasifica en 2 grupos:

- Las formas orgánicas o naturales, que tienden a ser irregulares y ondulantes.

- Las formas artificiales, de tipo geométrico que han sido creadas por el hombre. Suelen ser regulares y rectas.

Según la forma, el artista puede trabajar en tres niveles:

- Selección de la forma del producto visual como objeto, que se refiere a los límites físicos del soporte de la representación, por ejemplo, una lámina rectangular de papel donde hay dibujado algo.

- Selección de la forma del contenido del producto visual, que se refiere a la forma de los objetos representados, por ejemplo, en la lámina antes citada, el dibujo de unas frutas.

- Selección de la forma del espacio que alberga al producto visual, o también llamado instalación. Se centra en el espacio donde la obra va a ser representada, por ejemplo, una sala de un museo donde se va a exponer una obra artística.

El color: es una herramienta que puede aportar mucha información. Existen dos tipos de colores: los colores-pigmento, aquellos en los que se trabaja el color como materia y que se pueden tocar físicamente (cian, amarillo y magenta, cuya suma produce el color negro), y los colores-luz, de carácter intangible (rojo, verde y azul, cuya suma produce el color blanco).

Además de estos conceptos, el artista debe tener en cuenta otros como: la luminosidad (cantidad de luz que posee un color como característica propia), saturación y desaturación (niveles de pureza del color en relación al gris, cuanto más saturado, mayor pureza y más alejado del gris), y temperatura del color (fenómeno visual según las sensaciones corporales: colores cálidos vs colores fríos).

El color también puede transmitir significados muy concretos según cinco criterios de selección del color:

1. Contenido simbólico, por ejemplo, el rojo indica sexo, poder o lujo, mientras el blanco expresa pureza, nieve o neutralidad.

2. Calendario comercial, ya que según la temporada del año se suelen usar unos colores u otros.

3. Contraste visual, para obtener una buena identificación, por ejemplo en rótulos.

4. Identificación de la marca, así la marca Coca-Cola se asocia con el color rojo mientras que Pepsi lo es al azul.

5. Identificación con el público-objetivo, ya que la franja de población a la que se dirige el producto es de vital importancia.

La iluminación: puede ser de primer nivel, la iluminación que el autor elige para el objeto, o de segundo nivel, la que se utiliza para iluminar ese objeto desde el exterior. Los criterios a seguir pueden ser: el tipo de fuente (natural o artificial), la cantidad (claves altas o bajas), la temperatura (caliente o fría) y la orientación (a favor de la lectura, a contralectura, picado o contrapicado).

La textura: es la materia de la que está hecho el producto visual. Hay dos tipos: textura del soporte y textura de los materiales que se aplican al soporte, por ejemplo, un lienzo sería el soporte mientras que la pintura aplicada al lienzo sería el material.

También se puede clasificar la textura en real, simulada y ficticia. Real, porque lo percibido por la vista coincide con el tacto (ejemplo, una escultura de bronce). Simulada, cuando lo percibido por el ojo no coincide con el tacto (ejemplo, un retrato de un hombre sobre un lienzo). Ficticia, está a medio camino entre las dos anteriores, cuando el receptor piensa que el producto es de una calidad cuando es de otra (ejemplo, cuando un objeto parece de piedra y resulta ser de corcho).

HERRAMIENTAS DE ORGANIZACIÓN

La composición: es la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio disponible del soporte. Con este orden se intenta transmitir un orden. Para ello, se usan diferentes recursos. Si lo que se quiere es crear una composición reposada, los recursos a usar son constantes, simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados. Si, por el contrario, se quiere alcanzar una composición dinámica, los recursos usados serán inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.

La retórica visual: se usa para conectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Las principales figuras retóricas visuales se han distribuido en cuatro grupos:

- Sustitución. Metáfora, alegoría, metonimia, calambur, prosopopeya.

- Comparación: oposición, paralelismo, gradación.

- Adjunción: repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo.

- Supresión: elipsis.

Todas ellas han sido utilizadas y se seguirán usando para expresar diferentes significados dentro de un mismo producto visual.

TEMA 6: ANÁLISIS DEL DESARROLLO DEL DIBUJO ESPONTÁNEO EN LOS NIÑOS/AS

ARTÍCULO: Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa

V. Lowenfeld y B. Lambert

Este artículo estudia la importancia de la fase esquemática que se desarrolla desde los 7 a los 9 años. Durante esta fase, el niño aprende a realizar esquemas. Estos son individuales, por lo que no habrá dos esquemas idénticos, ya que el niño lo asocia con emociones y experiencias, haciéndolo muy personal y único.

Los dibujos esquemáticos suelen cumplir una serie de características:

- El esquema humano (sobre los 7 años): a esta edad, los niños no suelen dibujar aún a dos personas mirándose, pero si tienden a dibujarlos tanto de manera frontal como lateral. Dependiendo del niño y de su conocimiento del cuerpo humano, lo dibujará con más o menos detalle.

- El esquema espacial y la línea básica: a estas edades se tiene poco conocimiento sobre cómo dibujar tridimensionalmente, por eso es común el uso de la línea básica para poder colocar los diferentes elementos.

- Las representaciones en rayos X se usan para así poder dibujar cosas que al mismo tiempo no pueden ser dibujadas, como por ejemplo el interior y exterior de una caja, de una casa, etc.

- Representaciones de tiempo y espacio para contar historias. Es muy usado en estas edades y les sirve para incluir en un mismo dibujo diferentes secuencias temporales.

- Significado de las variaciones en el esquema. A esta edad, los niños no perciben las variaciones que puedan ocurrir y, por lo tanto, no son conscientes de que hay 3 tipos de variación: la exageración de las partes más importantes, descuido u omisión de partes no importantes u ocultas, y cambio de símbolos para partes relevantes.

- Significado del color y el diseño. En esta etapa de los 7 a los 9 años, el niño empieza a percibir que el color y el diseño están relacionados. Se da cuenta que el mundo está ordenado y, por lo tanto, empieza a clasificar por categorías (los rojos por un lado, los grandes por otro, etc).

EL DESARROLLO DEL NIÑO EN LA ESCUELA DE PRIMARIA

Desde los 7 a los 9 años, se producen ciertos cambios en el niño. Empieza a dejar de ser egocéntrico para dejar paso a la consciencia de los sentimientos de los demás sin olvidarse de los suyos propios. Además, durante esta etapa, los niños aprenden a reflejar en sus creaciones su realidad del entorno y de ellos mismos, proporcionando una fantástica fuente de información sobre el propio niño.

LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS COMO REFLEJO DEL DESARROLLO

Como ya se ha comentado anteriormente, el niño expone en sus dibujos la realidad que él percibe del mundo que le rodea y de su propia persona. Si estudiamos esos dibujos, podremos observar cómo hay niños cuyos conocimientos son más amplios que otros. Esto viene determinado del grado de conocimiento del entorno del niño así como del desarrollo de su intelecto. En verdad, ambas cosas están interrelacionadas.

Con el dibujo esquemático se pretende observar el grado de evolución de cada niño, aunque realmente no hay una categorización precisa sobre el tema.

MOTIVACIÓN ARTÍSTICA

La motivación es sumamente importante a la hora de fomentar la creatividad en el niño. El docente deberá hacer uso de ella en el aula para que cada alumno desarrolle su propia motivación hacia el tema a tratar.

EL TEMA

La elección del tema a tratar es de vital importancia, ya que puede conseguir un alto grado de motivación en el alumno, o por el contrario un nulo interés por él y, por consiguiente la falta de motivación por la tarea a realizar.

MATERIALES ARTÍSTICOS

El uso de materiales en el aula es otro factor importante a tener en cuenta. El docente debe seleccionarlos cuidadosamente, según la actividad a realizar, el grupo al que va dirigida la actividad, etc.

TEMA 7: APORTACIONES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL DESARROLLO HUMANO Y AL CURRICULUM ESCOLAR

ARTÍCULO: Educación artística y desarrollo humano

H. Gardner

En este artículo, el autor establece una serie de ideas sobre la función artística y el desarrollo del niño. Así, se tiene en cuenta las diferentes perspectivas que hay sobre el arte. Dependiendo del país o de la cultura de la que estemos hablando, el concepto de arte también cambia de una simple imitación a una forma de expresión.

A la hora de hablar del desarrollo humano, el autor hace un estudio de la evolución histórica. Entre otros estudiosos cita a Piaget y su estudio del desarrollo del niño en edades escolares. Se llegó a la conclusión que este desarrollo no sólo viene influenciado por el devenir del tiempo sino también por el entorno social y escolar al que el individuo está sometido.

Un aspecto a tener en cuenta es que el arte está ligado a la simbología. Si una persona quiere estudiar o entender de arte, debe aprender a descodificar toda una serie de símbolos que constituyen los conceptos artísticos básicos.

Otro estudio de Piaget se centra en la división del desarrollo del niño. Durante su primer año de vida, se adquieren los conocimientos a través de la interacción con los objetos físicos del entorno más cercano. Durante el segundo año, el niño comienza a conocer y dominar los sistemas simbólicos de su cultura. En la siguiente etapa evolutiva, el niño empieza a utilizar más conceptos y principios que ha ido adquiriendo y perfeccionando. Poco después, comienza otra etapa donde el uso de juegos y actividades con diferentes niveles es de vital importancia para el desarrollo del niño.

De este modo, se puede decir que el desarrollo humano se divide en diferentes etapas a niveles de crecimiento mental, físico, social y emocional. Dicha evolución es distinta en cada individuo, por ello, y para lograr un mejor desarrollo, los niños deben estar en contacto con el arte desde edades tempranas para fomentar la creatividad y su nivel de conocimiento sobre temas artísticos y elementos básicos relacionados con este campo.

Así, la asignatura de Educación Artística tiene un papel vital en el desarrollo del alumnado. Debemos fomentar el uso de la creatividad y de las tareas artísticas en los centros escolares como potenciador del desarrollo humano.

TEMA 8: LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA

ARTÍCULO: Modos de ver (Capítulo 7)

John Berger

La publicidad nos rodea aunque a veces no seamos conscientes de eso. Este artículo se centra en estudiar el objetivo de la publicidad. No sólo es usada para promocionar un producto o rivalizar con una empresa rival. También es una forma de expresión. Es arte y con ella se transmiten mensajes.

Uno de los elementos fundamentales de la publicidad es presentar el producto de una forma llamativa para atraer la atención del consumidor. Así, es el receptor el principal elemento de la publicidad, ya que todas las decisiones se toman según los gustos del consumidor.

A diferencia de la pintura, donde el autor presenta la realidad tal y como es, la publicidad se centra en presentar un mundo mejor, siempre y cuando el consumidor adquiera el producto que se está ofertando. Así, la publicidad presenta un mundo irreal sólo para poder llegar mejor al espectador. Esa fantasía que se crea en torno al producto, hace que el consumidor se sienta atraído por el objeto en cuestión.

Es cierto que vivimos en un mundo rodeados de publicidad, ya sea de manera impresa o por los medios de comunicación. Debemos tener cuidado con la influencia que la publicidad ejerce en nosotros y, muy especialmente, en los niños, al ser más vulnerables a las influencias externas. Tanto la comunidad educativa como las familias debemos asegurarnos que el niño no se ve excesivamente influenciado por la ingente cantidad de publicidad que nos rodea. Lo que tenemos que hacer es fomentar la creatividad y la libre elección en las nuevas generaciones.

TEMA 9: DEPARTAMENTOS DE DIDÁCTICA EN INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICAS

ARTÍCULO: “Explora Guernica”: unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

S. González D’Ambrosio

Este texto ha sido muy interesante de leer. En él, se explica un proyecto que se ha llevado a cabo en el Centro de Arte Reina Sofía. Se trata de un análisis sobre una iniciativa novedosa en España que hacen los museos para facilitar el acceso al arte para personas con discapacidad visual. Es un proyecto integrador que se realizó a través de un convenio con la Fundación ONCE.

Además de acercar el arte a personas con discapacidad visual, este proyecto también perseguía, como objetivo más específico, que dicha gente pudiera estudiar a Picasso como figura clave en el arte contemporáneo a través de su cuadro “Guernica”. Para ello, durante la visita al museo, se accede a la sala donde está el cuadro, recibiendo una charla sobre los aspectos más importante de él. Después se realizan unos talleres variados con diferentes actividades dependiendo de la edad de los participantes y su grado de discapacidad visual.

El programa tuvo un gran éxito y una gran acogida por parte del público, ya que acercó un mundo que hasta hoy era inaccesible a una comunidad que ansiaba una oportunidad como la que se le ha dado.

TEMA 10: ESTÉTICA DE LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS

ARTÍCULO: Didáctica de la expresión plástica o educación artística

Ricardo Marín Viadel

El concepto de Didáctica de la Expresión Plástica engloba 4 elementos: enseñanza, dibujo, alumno y escuela. Pero el principal objetivo de la Educación Artística es el conocimiento y desarrollo de los aspectos artísticos de la naturaleza y la cultura, así como un amplio conocimiento de experiencia humana.

La Educación Artística pretende crear algo visual a través de la previa percepción del mundo que nos rodea. También favorece el uso de los elementos simbólicos y los valores artísticos a la hora de crear.

Además de esta explicación sobre el concepto y los objetivos de la Educación Artística, el autor también aborda en el texto otros temas importantes. Por ejemplo, detalla cómo ha ido evolucionando la Educación Artística en la etapa de Primaria, donde se ha pasado de la mera repetición mecánica de modelos establecidos a la creación y uso de la imaginación como método a seguir.

El autor además expone que esta materia es interdisciplinar, ya que está relacionada con el resto de áreas del currículo. Por ello, está presente en todos los ciclos de la Educación Primaria aunque con un menor tiempo del horario escolar dedicado a ella que otras materias.

LÁMINAS 6, 7 Y 8: Técnica de papel rasgado

En la lámina 6, se parte de trozos para la realización de dibujos sencillos. En las láminas 7 y 8 se intentan hacer figuras más complejas.

LÁMINA 6

LÁMINA 7

LÁMINA 8

LÁMINA 9: Técnica de papel rasgado

A partir de unos trozos de papel, se han dibujado diferentes expresiones.

LÁMINA 9

LÁMINA 12: Técnica de papel rasgado

En esta lámina se ha elaborado un versión del cuadro de Joan Miró "Mujer con un bonito sombrero, estrella" con la técnica de papel rasgado. Debajo, foto de la pintura original del artista.

LÁMINA 12

LÁMINA 13: Técnica de ampliación

En esta lámina se ha trabajado la técnica de ampliación con cuadrícula a la hora de elaborar el dibujo.

LÁMINA 18: Caracterización

La técnica de caracterización se basa en dibujar adjetivos. En este caso, se han hecho 12 dibujos, dos por cada uno de los seis adjetivos. Se han usado flores y rostros para esta técnica.

LÁMINAS 24 y 25: Artistas por descubrir

Realización de imágenes basadas en el libro "Artistas por descubrir" de John Cassidy y Quentin Blake.

LÁMINA 24

LÁMINA 25

LÁMINAS 26 Y 27: Ampliación sin retícula

Dos dibujos elaborados mediante la técnica de ampliación. Esta vez no se han usado retículas como medio de apoyo.

LÁMINA 26

LÁMINA 27

LÁMINA 31: Mezclas de color

Lámina en la que aparece una tabla de mezclas de colores hecha con acuarelas. Se pueden las variaciones de color según las mezclas entre un color de la fila superior y otro de la columna de la izquierda.