ALBA MARÍA MELGAREJO RÍOS

TEMA 1: EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA. Artículo 1: La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración. Autores: Juan Delgado y Elvira Martínez. Este artículo está centrado en uno de los temas más importantes de nuestra educación: la educación totalmente dirigida o el desarrollo natural de cada individuo guiado de la mano del profesor. Toda esta temática está conducida de la mano de la educación artística y visual, ya que es una de las asignaturas menos valoradas del sistema educativo además de que se desarrolla de un modo totalmente ilógico si tenemos en cuenta que es una asignatura donde se debe desarrollar y expresar la creatividad. Seguidamente el artículo nos muestra la evolución de la educación artística en España. Este recorrido es muy interesante ya que podemos apreciar varios hechos importantes: Antes de los años 70 la educación plástica se contemplaba como una actividad para desarrollar la habilidad y destreza manual para el dibujo. A partir de los años 70 se aboga por desbloquear la creación del alumno, por facilitar la expresión individual y por desarrollar la faceta motivacional del profesor. Esta es una época de grandes avances y cambios en la educación artística. En los años 80 y 90 se abogó por convertir el área en una disciplina artística, sin embargo esta disciplina volvió a potenciar el trabajo imitativo y dependiente del alumno. Y el futuro ¿qué nos depara? Pues debemos tener en cuenta que la característica principal de esta asignatura es que es otro modo más de expresión y para que el ser humano pueda expresar primero debe ser receptor de mensajes, lo cual no es posible si no está en interacción con el entorno. Artículo 2: Educación artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado. Autora: Carmen Alcaide. Este artículo pretende hacernos reflexionar acerca de la formación del profesorado en nuestro sistema educativo. Realmente todo lo que tenemos alrededor evoluciona, la tecnología, la edificación, las ciudades, la atmósfera y ¿el sistema educativo? Creo que el sistema educativo de nuestro país está estancado y necesita un cambio de mentalidad para ser capaz de incorporar con eficacia las nuevas propuestas metodológicas y pedagógicas con las que se trabaja en muchos países del resto de Europa. Pues aprovechando el cambio que han sufrido los estudios universitarios en estos últimos años, tenemos la oportunidad de modificar las estructuras establecidas para la formación del profesorado y proponer una especialidad de “educación artística” para los docentes de infantil y primaria.  Si la educación artística ya de por sí está en una posición desventajosa respecto al resto de asignaturas, ya que dispone de menos horas lectivas a la semana, por lo menos debería ser impartida con eficacia y por especialistas en la materia de otro modo, no estamos impartiendo una educación de calidad en esta área tan importante la cual nos permite desarrollar nuestra creatividad, nuestra imaginación, descubrir otro modo de expresión, etc. Así la autora propone varios títulos universitarios para que esto fuera posible: Grado en Educación Artística: Plástica y Música. Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística. Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística. Postgrado de Artes Visuales. Postgrado en Música.

TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS. Artículo 1: El arte y los artistas. Autor: Gombrich, E. Este artículo trata la relación que existe entre el arte y los artistas ya que durante todos estos años han sido los artistas los que han dado vida al arte. Cada persona percibe el arte de una manera distinta, ya que a todos no les puede gustar lo mismo. Al estar ante una obra de arte podemos decir que nos gusta dependiendo de los sentimientos o emociones que nos transmita. Por eso los artistas mostraban en sus cuadros lo que les hacía sentirse bien y por lo tanto deducían que a los espectadores también les complacería gratamente. Pero se crea un problema cuando al artista le da buenos sentimientos su propio cuadro, pero a nosotros no por carecer de belleza visual. A parte de la belleza también tenemos que tener en cuenta la expresión, es decir, lo que el autor quiere representar. No por tener más detalles un cuadro es más bueno que otro, aunque podría ser más real. El autor también defiende que hay que quitarse los prejuicios de que si una obra de arte no se parece a la realidad no es buena. Estos prejuicios en la actualidad son más frecuentes por haber avanzado en los años, ya que se supone que sabemos más. Antes de criticar algún cuadro tenemos que estar seguros de quién está equivocado, si nosotros o el propio autor. Para poder emocionarse ante nuevas técnicas y nuevas obras de arte hay que intentar eliminar todos los prejuicios de la cabeza y empezar de cero al encontrarse delante de una obra. Tenemos que apreciar las cosas con ‘‘ojos totalmente limpios’’ para poder disfrutar del futuro Arte. Artículo 2: La belleza como proporción y armonía. Autor: Umberto Eco. En este artículo el autor nos muestra un recorrido acerca de las ideas que se han ido expresando sobre el arte y cuando esas ideas establecen una relación entre el arte y la belleza. Esa relación es constante a lo largo del artículo, y las riquísimas ilustraciones ratifican esa presencia y la evolución misma del sustantivo belleza, término que se usaba para definir la cualidad de algo que nos gusta. Esta evolución que nos muestra el autor siempre tiene como base a Pitágoras, ya que fue el primero que afirmó que el número es el principio de todas las cosas. El título “la belleza como proporción y armonía” ya te pone en sobre aviso de que hablaremos de toda la cultura de la Grecia antigua en la que este ideal y los cánones de belleza estaban tan marcados y que fue impuesto hasta la Edad Media. El artículo está dividido en siete apartados: El número y la música. La proporción arquitectónica. El cuerpo humano. El cosmos y la naturaleza. Las otras artes. La adecuación al fin. La proporción de la historia. Creo que es un artículo realmente interesante y realmente ofrece un fuerte contraste con el artículo anterior. Ya que en comparación puedes ver como en la antigüedad la belleza si estaba identificada, establecida y era inmutable; sin embargo en la actualidad la belleza es muy subjetiva y depende de sentimientos, impresiones, gustos, etc.

TEMA 3: PERCEPCIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN.  Artículo: Modos de ver.  Autor: John Berger  El tema me ha parecido muy interesante; desde el principio me ha atraído cuando ha analizado “lo que es visible” y como “la realidad se hace visible al ser percibida”.  Creo que este análisis de lo que supone nuestra percepción y nuestra visión con respecto a la realidad es muy interesante ya que la mayoría de nosotros no nos hemos planteado qué es lo que vemos y por qué lo vemos así. Pues el texto nos plantea en todo momento un punto de vista individualista en el que cada uno percibe y siente lo que ve de manera diferente y realmente es así, pues todos somos individuos diferentes y cada uno percibimos nuestra realidad inmediata de manera diferente.  El texto nos inicia en el origen de las imágenes, cómo desde la antigüedad se crean imágenes para evocar lo que ya no está. Tiene mucho sentido y desde la prehistoria ha sido así, como podemos comprobar con las pinturas rupestres.  Por otro lado hemos podido ser conscientes de la mistificación del arte a través de las hipótesis que nos han enseñado desde que nacimos acerca de él. Como todo ello te condiciona y ya no te hace ver el arte con claridad, observarlo de una forma limpia sino posicionarte y asentir o discernir de ciertos supuestos ya aprendidos.  El tema nos ha mostrado como la perspectiva también es otro factor determinante en la apreciación del arte. Todos no miramos el arte de la misma manera y lo que para mí puede ser una verdad absoluta para la persona que mira desde otra perspectiva puede pasar desapercibido o incluso percibirlo y no darle importancia. Creo que la idea de perspectiva hace que cada uno podamos justificar nuestras ideas, independientemente de que éstas sean más razonables o menos.  Por último este ensayo nos habla de cómo los medios de comunicación y las reproducciones han desvirtuado en cierto sentido el arte, ya que estos medios de comunicación y las reproducciones artísticas logran que mucha más población pueda tener acceso a ciertas obras de arte que de otro modo quizás no vería nunca, sin embargo debemos tener en cuenta que estas obras nunca nos las muestran con silencio, es decir, siempre nos las muestras acompañadas de una opinión, explicación o biografía acerca del artista que condiciona nuestra visión de la obra.

TEMA 4: LA PERSONALIDAD CREATIVA. Artículo: Arte, educación y creatividad.  Autor: Juan Carlos Araño Gisbert.  Este artículo nos hace reflexionar sobre qué es el arte, qué entendemos por él y en qué medida la creatividad está relacionada con éste. Nos adentramos en el artículo conociendo los términos de cultura, arte y símbolo y como a través de la cultura podemos determinar que los que pertenecemos a la misma seguramente tengamos algo en común y nos identifiquemos con los mismos símbolos. Estos símbolos pertenecen a un espacio y un tiempo determinados ya que la humanidad está en continuo avance y desarrollo y los símbolos también cambian. El arte y la cultura están muy relacionados ya que en la actualidad el arte es considerado como un modo de expresión, además de que ocupa un importante lugar en la historia ya que el arte nos describe nuestro pasado. Sin embargo esto es precisamente lo que critica el artículo, como desde la escuela inculcamos que el arte solo pertenece a unos pocos privilegiados, que debemos valorarlo muchísimo ya que está compuesto por multitud de grandes obras de arte. Como en nuestra sociedad pensamos que el arte es muy ambiguo, cosa de unos pocos privilegiados que tienen un “don” tendemos a minusvalorar la materia de educación artística. Sin embargo el ser humano está en constante cambio y crecimiento, no debemos dejar de lado las experiencias que puede ofrecernos la educación artística, al contrario, debemos empaparnos de ellas, ya que a través de la experiencia es como el ser humano crece, a este aprendizaje se le denomina “aprendizaje significativo”. Desde mi punto de vista, es el único aprendizaje que prevalece. Para que se de este aprendizaje, debemos partir de las ideas y creencias de las personas, de sus intereses y necesidades y a través de ellas planificar la materia que queramos impartir. Por otro lado, el artículo nos muestra como el término “creatividad” ha evolucionado y más aún cómo se ha originado, ya que en la antigüedad este término no existía, ya que no se requería de él. Surgió en la época Cristiana, ya que a través de él se trata de describir la acción divina. En la actualidad el rasgo que distingue a la creatividad es la novedad. Consideremos unos aspectos sobre la creatividad: La novedad a la que aludimos es una cualidad que no se puede medir, por tanto está sujeta a la gradación. La creatividad tiene orígenes personales: puede ser dirigida o impulsiva, intencionada o espontánea, etc. La creación de una obra siempre tiene efectos en los demás individuos. Por todas estas razones, la creatividad no es un término con el que se pueda operar con precisión, la podríamos denominar como la capacidad productiva y la actividad de la mente humana (Guilford, J.P., 1967).

TEMA 5: LENGUAJE PLÁSTICO Y VISUAL: CONCEPTOS BÁSICOS. Artículo: Herramientas del lenguaje visual. Autor: Acaso, M. Dentro del lenguaje visual podemos encontrar diferentes herramientas para elaborar una imagen. Las principales son:  Herramientas de configuración. Herramientas de organización. Herramientas de configuración: El tamaño: El tamaño se selecciona en relación con la escala del espectador, a través de un sistema de comparación produce una representación visual. La selección de las dimensiones físicas de un producto visual puede realizarse en los tres criterios siguientes: El impacto psicológico: Tiene que ver con la relación que se establece físicamente entre el espectador y la representación visual. El efecto de notoriedad: Cuando el producto visual es de gran tamaño y supera los límites de lo habitual, de manera que su visualización se convierte en un evento. La comodidad: Se da cuando el tamaño viene impuesto al creador de la imagen. La forma: Es la determinación exterior de la materia.  Tipos de formas:  Formas orgánicas o naturales.  Formas artificiales. Mediante el recurso formal, el constructor de imágenes puede trabajar desde tres niveles: Selección formal del producto visual como objeto. Selección de la forma del contenido del producto visual. Selección de la forma del espacio que alberga al producto visual. El color: El color es una herramienta visual que constituye uno de los elementos más importantes para transmitir significados a través del lenguaje visual. Para hacer un buen uso de esta herramienta se debe saber que existen básicamente dos tipos de colores: Colores pigmento: cian, amarillo y magenta. Colores luz: rojo, verde y azul. Características del color: la luminosidad, la saturación y la temperatura. Criterios de selección del color: contenido simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca e identificación con el público-objetivo. La iluminación: Esta herramienta, transmite significado desde dos niveles: Tipo de iluminación que elige el autor en el contenido intrínseco del propio objeto. Tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior. Criterios de selección de la iluminación: Tipo de fuente: natural o artificial. Cantidad: claves altas o bajas. Temperatura: caliente o fría. Orientación: a favor de la lectura, a contralectura, picado o contrapicado. La textura: Es la materia de la que está constituido un producto visual, así como la representación visual de cualquier materia. En cualquier representación visual se trabaja con dos tipos de textura: la textura soporte y la textura de los materiales que se aplican sobre el soporte. Herramientas de organización: La composición: En la construcción de un producto visual, el último paso consiste en la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio que abarcan los límites del soporte. Esta composición se puede realizar a través de diversos recursos que darán lugar a estructuras reposadas o dinámicas. La retórica visual: Es la herramienta de organización que se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Figuras básicas de la retórica visual: metáfora, alegoría, metonimia, calambur, prosopopeya, oposición, paralelismo, gradación, repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo y elipsis.

TEMA 6: ANALISIS DEL DESARROLLO DEL DIBUJO ESPONTANEO EN LOS NIÑOS/AS ARTICULO: LA CONQUISTA DE UN CONCEPTO DE LA FORMA AUTORES: LOWENFELD, V. Y LAMBERT, B. IMPORTANCIA DE LA FASE ESQUEMÁTICA Cuando el niño ha desarrollado un símbolo satisfactorio para una persona y para los objetos que le son familiares lo llamamos esquema. Los esquemas son muy individualizados y la mayoría de los niños llegan a esta fase alrededor de los 7 años.  El esquema de un objeto, puede estar determinado por la forma en que un niño ve algo, por la significación emocional asociada a ellos o por cómo funciona o se comporta el objeto.  CARACTERÍSTICAS DE LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS El esquema humano: Hacia la edad de 7 años, el dibujo infantil de una figura humana debe ser un símbolo fácilmente reconocible. La representación de las partes del cuerpo depende del conocimiento que el niño tenga de ellas. Normalmente, el niño incluye símbolos separados para las manos e incluso los dedos. Con frecuencia se dibuja la ropa en lugar del tronco y para algunos es importante la simetría del cuerpo.  El esquema espacial: Cuando el niño es capaz de razonar que todos los objetos tienen una relación espacial común, se expresa colocando todo en una línea básica. La línea es universal y puede considerarse parte del desarrollo natural infantil al mismo nivel que aprender a correr o a saltar. Los niños identifican esta línea básica como el suelo.  La línea básica como parte del paisaje: Cuando un niño dibuja un paisaje, la línea básica puede usarse para simbolizar la base sobre la cual descansas las cosas y en otras ocasiones para representar la superficie del paisaje. La aparición de la doble línea básica es una evolución posterior y constituye un paso hacia la perspectiva en los dibujos.  Otros medios de representación espacial: El plegado, expresa un concepto de espacio dibujando objetos que parecen estar cabeza abajo. En otras ocasiones los niños no utilizan la línea básica como suelo, sino que ponen los objetos o a las personas en un círculo.  Las representaciones en rayos X: Un niño puede describir simultáneamente el interior y el exterior de un edificio u otro recinto siempre que el interior tenga mayor importancia. El niño mezcla el interior y el exterior, tratando el exterior como si fuera transparente.  Representaciones del tiempo y del espacio: Las representaciones del tiempo y espacio incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas.  Significado de las variaciones en el esquema: Si el esquema representa el concepto que ha desarrollado el niño del hombre y del medio, cualquier desviación es de especial relevancia. Hay tres formas principales de variación: Exageración de las partes importantes. Descuido u omisión. Cambio de símbolos para partes relevantes.  Significado del color y del diseño: El niño descubre que existe una relación entre el color y el objeto, por ello dibuja el medio de modo más objetivo y ha desarrollado relaciones espaciales definidas. En el color ha descubierto una relación determinada semejante.  EL DESARROLLO DEL NIÑO EN LA ESCUELA PRIMARIA Entre los 7 y los 9 años se producen diferentes cambios en los niños, una de las principales características es que dejan de ser egocéntricos para desarrollar la parte sentimental y empática hacia los demás. En esta etapa se pueden apreciar cambios muy importante en sus creaciones, ya que se vuelven cada vez más objetivos representando la realidad que los rodea y esto te permite conocerlos mejor. LOS DIBUJOS ESQUEMÁTICOS COMO REFLEJO DEL DESARROLLO Una de las indicaciones del crecimiento del intelecto infantil, es la percepción cada vez mayor del mundo alrededor. Crecer intelectualmente, depende de la capacidad de nutrir el sistema con nueva información. Que el mundo tenga coherencia o no depende del grado de interiorización de conceptos y este se expresará en sus dibujos; es a través de estos dibujos como podemos conocer la evolución intelectual de los niños.  MOTIVACIÓN ARTÍSTICA: La tarea del profesor consiste en estimular la conciencia y la atención de los niños. Cualquier motivación debe originar y estimula un intenso deseo de crear obras significativas y debe animar a los niños a ser flexibles en su aproximación tanto a los materiales como al tema.  EL TEMA: El tema es el encargado de permitir que los niños se expresen de un modo otro por ello creo que es de vital importancia elegir un tema que les sea de gran motivación, así se sentirán cómodos y podrán expresarse de forma natural.  MATERIALES ARTÍSTICOS: La selección de un material artístico es totalmente relevante para un posterior desarrollo artístico ya que cualquier material debería facilitar la expresión infantil y no ser un obstáculo. Hay materiales más complejos de usar que otros, por este motivo el docente siempre debe enseñar a utilizar correctamente todos los materiales.

TEMA 7: APORTACIONES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL DESARROLLO HUMANO Y AL CURRICULUM ESCOLAR ARTÍCULO: TEORÍA DE LA ENSEÑANZA ARTÍSTICA AUTOR: LÓPEZ SALAS, J.L. Orientaciones didácticas actuales. El sistema tradicional de la enseñanza del dibujo se apoyaba en el estudio de la forma organizada como la geometría, así como los sistemas de representación objetiva. La didáctica empleada era intuitiva y se basaba en técnicas consuetudinarias.  Las Facultades de Bellas Artes y las antiguas Escuelas Superiores, en una actitud receptiva han dado cabida en su profesorado a licenciados de diversa procedencia.  Eisner considera que los dominios del aprendizaje artístico son: el productivo, el crítico y el histórico y establece tres tipos de curriculum: Programas orientados al taller. Diseño creativo. Enfoques humanísticos o relacionados con las artes.  Si tenemos en cuenta que esta didáctica se debe orientar a profesores que van a analizar el arte infantil contemplamos las siguientes orientaciones: La educación por el arte: Teoría mantenida por Herbet Read que supone utilizar el arte para todos los aspectos de la educación.  La expresión plástica entendida como lenguaje: Lenguaje de la visión o lenguaje visual. Teoría sostenida por Kepes entre otros basada en la premisa de que el arte es eminentemente expresivo y por ello nos comunica muchísima información.  La expresión plástica como actividad creadora: Teoría sostenida por Lowenfeld que pretende transmitir los hábitos creativos de la actividad plástica a todas las demás actividades humanas.  Tradicional entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía: Sigue la tendencia tradicional de entender la educación artística.  Tendencia actual orientada al diseño: Nace con la era industrial y su necesidad de dibujar previamente cuanto se produce. Atiende a los aspectos técnicos aunque sin olvidar los estéticos. Lo principal es que el producto diseñado funcione.  La expresión plástica como elemento globalizador de la educación.  Educación de la visión artística: Teoría sustentada por Eisner que realiza una relfexión filosófica sobre las diferentes teorías de la educación y plantea una visión progresiva de las relaciones entre las didácticas generales, diferenciales y específicas.  Necesidades de la educación artística. Razones que justifican la necesidad de la educación artística: HISTÓRICA: a través de la historia vemos la latencia del arte, desde los tiempos más remotos el hombre ha sentido la necesidad de producir y disfrutar de objetos artísticos.  BIOLÓGICA: la producción de imágenes, el arte plástico es algo innato en el individuo, cualquier niño siente la necesidad de dibujar. El arte infantil espontáneo y connatural con la persona.  Bajo el punto de vista productivo, como dice Eisner, la persona dedicada a practicar el arte tiene una necesidad muy clara: el placer estético. Desde la perspectiva del educador, las necesidades que cubre el arte son más amplias, aunque siempre esté inherente la característica estética.  Algunos autores consideran que el niño empieza a dibujar por una motivación y placer kinestéticos y tan pronto como tiene un cierto control de los garabatos y es capaz de realizar grafismos que representan algo para él, el placer es de carácter estético y podemos empezar a hablar de arte infantil.

TEMA 8: LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA Artículo: El hiperdesarrollo del lenguaje visual. Autor: Acaso, M. La educación artística, es un área educativa que se diferencia del resto de las áreas que configuran el mundo de la educación y está basada en un lenguaje específico: el lenguaje visual.  El lenguaje visual ha sufrido muchos cambios en nuestra sociedad, lo que ocurre con este lenguaje es que del mismo modo que el consumo en nuestro mundo se ha desarrollado de tal manera que estamos buceando dentro del hiperconsumo, ha pasado lo mismo en este lenguaje y nos encontramos en la era del hiperlenguaje visual. Tres factores han sido los causantes de esta situación: Desarrollo de la técnica. Espectacularización de los mensajes visuales.  Desarrollo del hiperconsumo.  El desarrollo técnico como motor de cambio. Podríamos citar como principales eslabones en la cadena de tecnificación que fomenta el hiperdesarrollo del lenguaje visual los siguientes avances: 1827: Nacimiento de la fotografía.  1900: Desarrollo de la imprenta. Años 60: Nacimiento de la televisión Años 70: Perfeccionamiento de los sistemas de tratamiento de las representaciones visuales. Años 80-90: Perfeccionamiento de los sistemas de transmisión (consolidación de Internet).  A partir de 2000: Desarrollo continuo e imparable de nuevos productos en la web.  La televisión es el fenómeno que más nos ha afectado, y de entre todos los avances postelevisión, es el desarrollo del software de retoque de imágenes el factor que más ha determinado el hiperdesarrollo del lenguaje visual. Así lo considera José Pelayo en su artículo "El photoshop nos arruinó la vida" ya que considera que la frontera entre la hiperrealidad y la realidad nunca ha sido tan difusa como en la actualidad.  Otro factor importante que ha traído la digitalización del lenguaje visual ha sido que todas las imágenes han dejado de ocupar un espacio físico, sino que las almacenamos virtualmente por este motivo también se ha producido una hiperexpansión de material audiovisual, ya que no necesitamos ningún espacio físico donde almacenarlo y mejor aún el coste de su producción se ha reducido a cero.  La espectacularización de los mensajes visuales. El hiperdesarrollo del lenguaje visual, auspiciado por las nuevas tecnologías, produce la multiplicación de imágenes en todos los aspectos de nuestra vida, y esto produce un efecto rebote: el hecho de que vivamos la experiencia como incompleta si no se exhiben las reproducciones visuales de dicha experiencia. Quizás sea esto lo que es radicalmente diferente a otras épocas: las representaciones visuales que configuran este mundo hiperestético acaban por convertir lo cotidiano en espectáculo y lo privado en público.  En este tipo de sociedad los individuos, deslumbrados por el espectáculo, nos sumergimos en una existencia pasiva aspirando solo a adquirir la mayor cantidad de productos posible y a exhibir la compra inmediatamente. Porque ya no siento placer al contemplar mis imágenes, siento placer cuando las comparto.  El hiperdesarrollo del hiperconsumo. A través del lenguaje visual se pueden comunicar muchos mensajes que sería políticamente incorrecto comunicarlo a través del mensaje escrito por ello para que el hiperconsumidor se convierta en tal, es necesario estimularlo visualmente, que se cree en el la necesidad de comprar diariamente y para crear este impulso irracional, la hiperutilización del lenguaje visual es la clave.  A través de la imagen se crea un universo  donde todo es felicidad, pero es una felicidad comercial, que es el universo que el capital fabula a través del lenguaje visual para convencernos de que sólo seremos felices comprando.

TEMA 9: DEPARTAMENTOS DE DIDÁCTICAS EN INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICAS Artículo: Explora Guernica: unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Autor: González D´Ambrosio, S. Introducción. El movimiento a favor de la inclusión de las personas con discapacidad ha dado lugar a una mayor concienciación social respecto a las necesidades de este colectivo, así como al desarrollo de numerosas iniciativas que tratan de potenciar la accesibilidad en todos los ámbitos.  En este sentido el Departamento de Educación del Museo ha incorporado ya a su oferta permanente dos programas dirigidos a personas ciegas o con deficiencia visual grave: "Museo a mano" y "Explora Guernica".  Descripción de la actividad. "Explora Guernica" une las diferentes formas y canales de la percepción para acercar la obra central del Museo a los visitantes con discapacidad visual. El oído, el tacto y, en su caso, el resto visual, se potencian durante la actividad para ir descubriendo el enorme mural pintado por Pablo Picasso.  El detonante para el diseño de la actividad fue la celebración de la exposición Picasso: tradición y vanguardia, organizada en colaboración entre el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía en el verano de 2006 para conmemorar los 25 años del regreso de Guernica a España y los 125 del nacimiento del artista.  Diseño de los materiales táctiles. Desde un primer momento era esencial que para transmitir Guernica a las personas con discapacidad visual era necesario contar con algún tipo de adaptación táctil que reforzase las explicaciones verbales sobre las características formales de la obra y las figuras que la componen.  Son muchas las razones por las que se decantaron por el papel microcapsulado: la gestión directa desde el Museo del diseño y producción de las láminas, la posibilidad de introducir modificaciones, la rapidez de ejecución y la posibilidad de realizar tantas copias como fuesen necesarias a un coste reducido.  Las dimensiones de la obra hacía imposible realizar la adaptación en un único diagrama sin perder legibilidad o información relevante. Por este motivo, optaron por realizar un total de seis diagramas.  Desarrollo de las sesiones educativas. Objetivos: El objetivo general es impulsar el acceso al conocimiento y disfrute de las colecciones del Museo por parte de las personas con discapacidad visual, así como la valoración de las artes plásticas como un medio efectivo para acercarse a la cultura y para entender la historia y la sociedad actual.  Uno de los objetivos específicos es vivenciar la impactante presencia del cuadro, sus dimensiones y el ambiente generado por los visitantes que acuden a contemplarlo. Otro objetivo es reconocer a Picasso como figura clave en la historia del arte contemporáneo.  Un importante objetivo metodológico es conocer y familiarizarse con los códigos empleados para trasponer las imágenes visuales en diagramas táctiles, de forma que los participantes puedan discriminar a través del tacto las formas marcadas en las láminas.  Metodología: Las metodología se adapta dependiendo de las características de cada grupo o participante, pero en general las sesiones se estructuran en cuatro partes diferenciadas: Visita a las salas de la exposición para establecer un contacto directo con la obra de arte y el espacio que la rodea.  Explicación verbal de Guernica: contexto histórico, gestación de la obra, significado e interpretaciones, rasgos técnicos y formales, etc.  Exploración de los diagramas táctiles sobre papel microcapsulado con la supervisión e indicaciones de un educador.  Realización de un taller de creación, que varía dependiendo de la edad de los participantes y que sirve para introducir un aspecto más activo y lúdico a la vez que se consolidan los contenidos explicados.  La duración total de la sesión suele estar en torno a las dos horas, aunque puede variar en función de la composición y los intereses del grupo.  Valoración de la experiencia. Al concluir la actividad, el educador facilita un cuestionario de evaluación a los participantes o a los monitores, en su caso. Está disponible en formato habitual y también en macrocaracteres. Este test sirve de gran ayuda, junto con los comentarios de los participantes durante la sesión para mejorar las actividades.  Conclusiones. La buena acogida de "Explora Guernica", el nivel de satisfacción de los participantes y su consolidación como una actividad estable, conocida y reconocida constituye un antecedente y una referencia importante para extender y potenciar las iniciativas que permitan el acceso de las personas con discapacidad visual a los museos y la cultura.

TEMA 10: ESTÉTICA DE LOS ELEMENTOS PLÁSTICOS Artículo: Didáctica de la Expresión Plástica o Educación Artística Autor: Marín Viadel, R.  En este texto se realiza un repaso de cómo el dibujo ha cambiado a lo largo de la historia, debido a los cambios y transformaciones que se han producido en el mundo de las artes, de la educación y de la sociedad en general. En la Época Antigua, se consideraba a la educación artística como una de las cuatro asignaturas más importantes debido a que el dibujo sería de gran utilidad para la vida. Durante la Edad Media se aprendía pintura, orfebrería, escultura, etc. y todas ellas como oficio. El aprendizaje de éstas se realizaba en el propio taller de trabajo. Las academias de dibujo surgieron entre el Renacimiento y el Romanticismo. Se crearon las primeras academias de dibujo en Florencia, en 1563, y tenían una orientación claramente especializada y profesional. A partir de los doce años se encaminaba a profesiones artísticas. Es durante el siglo XIX donde el dibujo se afianzó como materia obligatoria del curriculum. Era la primera vez que se enseñaba dibujo para todo el conjunto de la población. Durante la primera mitad de dicho siglo, estuvo marcada por la elaboración de unos manuales y cartillas de dibujo. En 1803 se publicó el primer manual de Educación Artística para la infancia, en el que se trabajaba conjuntamente la palabra, el número y el dibujo, cuyo autor, Pestalozzi lo denominó “ABC de la intuición o intuición de las proporciones”. Froebel contribuyó con “Regalos y ocupaciones”, que se basaba en aprender por medio del juego. Y en la segunda mitad de siglo se realizaron manuales basados en copias de láminas. En la primera mitad del siglo XX se descubrió el arte infantil; se centraba en la comprensión de cómo los niños dibujaban. Esto pasó a ser considerado como una manifestación genuina y propia que tiene la infancia de interpretar el mundo. Para ello ayudó mucho la psicología evolutiva y las innovaciones de las diferentes corrientes artísticas más revolucionarias (cubismo, expresionismo, abstracción). A partir de entonces se comenzó a publicar los primeros estudios. En cuanto a la autoexpresión creativa, desarrollada en la segunda mitad del siglo XX, fue esencia incidir en que lo decisivo no está en los contenidos sino en la persona que se forma. Se le da más importancia al desarrollo personal que al producto final. En esta etapa se potenció mucho el dibujo libre. En 1954, se creó la Sociedad Internacional de Educación a través del Arte (INSEA), en París. Y en 1955, en Ginebra (Suiza) se aprobaron las recomendaciones referidas a la enseñanza de las artes plásticas en escuelas primarias y secundarias. Durante esta época, las obras visuales estaban valoradas como modos de conocimiento, ya que a través de ellas podemos interactuar y son un lenguaje más dentro de la sociedad en la que vivimos. En el año 1970, Elliot Eisner promovió proyectos educativos en las enseñanzas artísticas que abordaron diferentes aspectos curriculares que terminaron consolidándose en el año 1980 en la DBAE: la Educación Artística Basada en la Disciplina. Su objetivo estaba en desarrollar habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte, conocer las teorías y conceptos artísticos y tener una experiencia creadora. Personalmente me ha resultado interesante leer este documento porque no era consciente que en épocas lejanas tuviera tanta importancia la Educación Artística, en cuanto que afirmo que era mucho más relevante en épocas pasadas que incluso en la actualidad. Ésta llegó incluso a considerarse tan importante y fundamental como saber escribir y leer. Sin embargo, en la época actual no sólo es una de las asignaturas que menos horas a la semana se le dedica en la escuela, sino que comparte el currículum con otra asignatura como es la música. Y me pregunto ¿por qué han sufrido estas disciplinas tantos cambios? Otra de las cosas que me parece interesante es cómo en uno de los primeros manuales que se elaboró de Educación Artística se trabajaban los números, las palabras y los dibujos, idea que me parece muy interesante desarrollar durante no sólo la infancia, sino también en la educación primaria; el hecho de trabajar la educación artística como un tema transversal a las demás asignaturas. Estoy de acuerdo con los autores Ricci y Luquet, cuando afirman que el dibujo es una actividad escolar que no debe entorpecer, sino todo lo contrario, motivar y estimular los modos y características propias que tienen los niños de expresarse con el dibujo y la pintura libre. También coincidido en que no se debe potenciar en la escuela el producto, sino cómo se ha desarrollado personalmente esa persona durante la elaboración de su obra, más que en el resultado final de la misma.

LAMINA 6: FIGURAS SIMPLES

En esta lámina hecha con papel rasgado he intentado reflejar una isla. 

LAMINAS 7 y 8: FIGURAS MAS COMPLEJAS

En esta lámina he querido plasmar mi propia mano a través de papel rasgado. 

En la siguiente lámina he intentado plasmar a un personaje animado que todos conocemos, a ver si la reconocéis... 

LAMINA 9: EXPRESIONES

LAMINA 12: VERSIÓN DE UN CUADRO

En esta lámina me ha costado decidirme sobre qué cuadro elegir pero al final he elegido un clásico: La Gioconda de Leonardo Da Vinci. 

LAMINAS 13, 14 Y 15: TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN CON CUADRÍCULA.

En las tres siguientes láminas voy a mostrar diferentes dibujos escogidos del material que se nos proporcionó para la realización de las mismas. Yo he escogido la gallina, el bebé y el elefante. 

LAMINAS 26 Y 27: TÉCNICA DE AMPLIACIÓN SIN CUADRÍCULA

Igual que en el ejercicio anterior me basé para realizar mis láminas en el material que se nos proporcionó y en este casó escogí el doberman y el león. Me ha resultado bastante más complicado que el ejercicio anterior, tienes que tener mucha más destreza en la medición visual para que el dibujo te salga correcto. 

LAMINA 18: CARACTERIZACIÓN:

En esta lámina he escogido como elemento animado a un pez y como elemento inanimado a un libro. En ambos he intentado plasmar 5 adjetivos: feliz, enfadado, inteligente, malvado y triste.

LAMINA 24: ARTISTAS POR DESCUBRIR.

Basándome en lo que nos índica el ejercicio, he cogido el material adjunto de "artistas por descubrir" y he seguido uno de los dibujos que propone. 

LAMINA 31: MEZCLA DE COLOR: ACUARELAS.

Esta lámina me ha parecido muy interesante, requiere paciencia y dedicación pues debes realizar multitud de mezclas de colores para conseguir el cuadro de los distintos tonos de color. Aquí os dejo el mío, espero que os guste. 

LAMINAS 36 y 37: HUELLAS DE DEDOS.

Estas dos láminas han resultado muy divertidas de realizar, ya que la pintura de dedos es algo que nos gusta a todos, trabajar con ella es muy ameno y además estas láminas nos han dado la posibilidad de crear a través de nuestras propias huellas, algo que me ha parecido muy original. 

LÁMINA 34: JARRÓN DE ARCILLA

Me ha costado varios intentos conseguir la silueta de un jarrón y aunque no me ha quedado bien, no he tenido más remedio que conformarme ya que en todo momento el material se me desmoronaba y era muy complicado conseguir la curvatura adecuada. Es muy placentero trabajar con arcilla, sin embargo creo que es un material que requiere práctica y tiempo para conseguir buenos resultados. 

LÁMINA 35: TRES EN RAYA

Hacer el tres en raya ha sido mucho más fácil que el jarrón, ya que solo necesitaba crear una base plana y las fichas. Ha sido más factible y por consiguiente menos frustrante que la creación del jarrón.