CARLOS AGUSTÍN GALINDO GARCÍA

TEMA 1: EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN

Juan Delgado y Elvira Martínez, son los autores de este documento, donde nos hacen un recorrido indicándonos problemas que se plantean en el aula a la hora de abordar por parte del profesorado la Educación Plástica y Visual, posteriormente nos hacen un recorrido evolutivo de la manera de impartirse la asignatura desde la época precedente a los años 70, para terminar con una idea de hacia donde, según estos autores deben ir la asignatura, priorizando que los alumnos adquieran un leguaje-plástico visual.

El texto comienza con la idea de que la creatividad no está únicamente relacionada con el arte, la creatividad va más allá de lo meramente artístico por ello frecuentemente no se permite al alumnado a ser creativo, nos limitamos a someterlos a ejercicios que en muchas ocasiones tienden a ser repetitivos y se centran en la imitación de modelos preestablecidos, este hecho para los autores resulta paradójico, y ahondan en el análisis de algunas reflexiones:

-       El hecho de que en el currículum no se de la importancia que merece a la asignatura de Educación Plástica y Visual, ya que se considera que lo artístico no suele ser productivo para el sistema, es decir, para la sociedad se considera mucho más productivo que el sistema educativo forme a un médico, un arquitecto o un abogado, antes que a un artista. También se considera que la dedicación al arte es un privilegio, que no todos se pueden permitir, una especie de elitismo de ciertas clases sociales. Por otro lado la poca valoración le los lenguajes expresivos, ya que en la escuela se limitan a premiar hallazgos fortuitos pero no se potencia lo suficiente niños que afianzan nuevas relaciones de manera más solida y a la larga, más duradera y efectiva.

-       Que no se considere a la educación plástica como el producto de el uso de un lenguaje plástico-visual, sino como la acumulación de destrezas o técnicas concretas, esto se puede explicar por la falta de preparación que presentan los docentes, que necesitan mejoras en metodologías y formas de actuar, y la diversidad de criterios que se dan a la hora de abordar la didáctica de la asignatura que nos ocupa.

Otro punto destacado por los autores es la evolución histórica de la Educación Artística en España, que dividen en tres periodos concretos:

-       Antes de los 70: como sabemos los que estudiamos la educación la Ley General de Educación de 1970, supuso un punto de inflexión, antes de esto, la asignatura que nos ocupa, únicamente se limitaba a La Plástica (Dibujo)En las primeras etapas meras  reproducciones para intentar que el alumno reprodujese con mayor acierto láminas más complejas con mayores edades.

-       En la década de los 70: Se empieza a buscar la creación del alumno, se realizan grandes avances en esta área de conocimiento, aunque a la hora de su aplicación práctica dependía mucho de quién impartiese esta asignatura.

-       Décadas de los 80 y 90: Se aboga por una dotación de contenidos propios que supondrán el desarrollo de Léxicos, simbologías y didácticas reinventadas.

Terminan los autores comentando el futuro de la asignatura orientado hacia una educación cretaiva integral mediante el lenguaje plástico-visual. Lo que nos viene a decir que el individuo deberá adquirir un lenguaje como vehículo del aprendizaje, no meramente manipulativo, si no intentando afianzar procesos de adquisición de estas nuevas capacidades. Dotar al alumnado a mi entender de las herramientas para el desarrollo de las expresiones artísticas.

EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

La autora Carmen Alcaide, comienza contemplando la posibilidad de que al darse el hecho de los cambios acordes a la instauración de los nuevos planes de estudio Europeos y la autonomía que las Universidades pueden jugar con la nueva legislación, la posibilidad de que se instauren estudios de la “Especialidad en Educación Artística”, se busca como finalidad de este propuesta el ofrecer a los futuros docentes una formación más especializada e innovadora, en cierto modo una manera de institucionalizar la especialidad artística dentro de la formación docente, lo que supondría por ello una extensión al marco educativo.

Como justificación usada para afrontar estas titulaciones nuevas más especializadas, la autora reflexiona sobre el desarrollo que se está viviendo actualmente en la sociedad con las Artes en General, ya que cada día está más reconocido todo lo relacionado con esta materia, la sociedad se encuentra más concienciada y se está valorando más lo artístico, presentando más sensibilidad hacia todas las expresiones de este tipo, llenando exposiciones, etc…

Otra reflexión justificativa es la que nos refiere al hecho de que a las asignaturas artísticas, se les concede menor carga lectiva que al resto y del mismo modo el profesorado que lo imparte no se encuentra formado de manera suficiente para afrontar el reto que supone afrontar las escasas horas lectivas contempladas para el currículum de Educación Artística en Primaria.

Con estas justificaciones la autora defiende la oportunidad de adaptarnos al Espacio Europeo de Educación Superior para generar nuevos planes de Estudio que teniendo en cuenta la demanda de alumnos serían una buena base para ir potenciando la generación de profesionales que en esta disciplina aporten un conocimiento más específico que redunde en la formación más especializada de los alumnos.

Para finalizar el texto la autora nos ofrece una propuesta de titulaciones que podrían cubrir la carencia que detecta, que son las que a continuación cito:

-       Grado en Educación Artística: Plástica y Música.

-       Grado en Educación Infantil con Mención en Educación Artística.

-       Grado en Educación Primaria con Mención en Educación Artística.

-       Postgrado de Artes Visuales.

-       Postgrado en Música.

Con estas propuestas la autora da por finalizado su texto, del cual en líneas generales comparto su fondo, sobre todo al tener en cuenta lo poco valorado que se ha encontrado la educación artística en los planes de estudio para futuros profesores.

De manera general y como conclusión al hilo de lo que nos presenta la autora en este texto, el refuerzo académico desde la Universidad, sería un impulso que desencadenaría exponencialmente la valoración de la asignatura para intentar auparla al estatus en el que merece, ya que cuando educamos a los individuos en espíritu artístico, no solamente les estamos dotando de valores transversales de conocimiento de la belleza en todas sus facetas y estímulo de sus capacidades, sino que además  inculcamos valores que se encuentran inmersos en todo lo que significa la asignatura de Educación Artística. 

TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS

"EL ARTE Y LOS ARTISTAS", INTRODUCCIÓN A LA HISTÓRIA DEL ARTE.

El Texto comienza haciéndonos reflexionar sobre el concepto de Arte como tal y como se trata de un concepto sujeto a realidades muy diferentes y a subjetividades de cada individuo, de este modo nos puede gustar una determinada expresión artística, pero no necesariamente por que sea Arte, si no por determinados aspectos que nos hacen relacionarla con algo que nos atrae en uno u otro sentido, por todo esto llega a la conclusión de que el Arte realmente no existe, existen solamente los artistas.

Se nos brindan ejemplos concretos de distintas percepciones de aspectos que podríamos considerar Arte, como por ejemplo como la belleza puede ser Subjetiva dependiendo de quién la observe o de cómo por ejemplo distintos artistas expresan sentimientos en un personaje que representan de maneras diferentes, podemos ver como no debemos encasillar clichés relacionados con que únicamente lo que es Arte es aquello que más se acerca a realidad de lo que representa, también pueden ser arte todas las expresiones de arte moderno que en ocasiones prejuzgamos de manera muy negativa simplemente porque la visión que el artista plasma en su obra difiere de la que nosotros tenemos. Otro aspecto a tener en cuenta en este sentido y en el que me encuentro totalmente de acuerdo con el autor es el hecho de que tendemos a juzgar en base a lo que conocemos dándonos igual realmente lo absolutamente correcto, de este modo estamos acostumbrados a clichés que históricamente han sido aceptados y reproducidos, por esto cuando un artista nos muestra una versión que no se ajusta a nuestra idea predeterminada, podemos tender a darla como errónea y sin embargo quizá la concepción errónea sea la nuestra por dejarnos guiar por ideas preestablecidas a lo largo del tiempo, por ello se hace interesante la aportación de artistas que se atreven a cuestionar esas ideas preconcebidas aportando puntos de vista de la realidad diferentes, que pueden proporcionar a un espectador con la mente suficientemente abierta y sin prejuicios, experiencias gratificantes.

Otros aspectos que ha marcado las concepciones artísticas a lo largo de la historia son las exigencias de quienes han encargado las obras, si bien no es hasta hace poco tiempo cuando los artistas han tenido libertad creativa, siempre se han visto condicionados por los encargos que recibían, por tanto hemos percibido realidades artísticas condicionadas.

En referencia a las reflexiones sobre las concepciones artísticas preconcebidas que tenemos todos, esto hace que los artistas tengan que recrear la realidad con muchísimo mayor detalle para cubrir de este modo las expectativas tan exigentes que nos marcamos.

Como conclusión al texto podemos decir que el autor nos hace reflexionar sobre la realidad de lo que podemos considerar correcto u ortodoxo en lo que a expresión artística se refiere, por tanto es necesario un cambio de actitud, que nos permita que no hagamos juicios preconcebidos de lo que vemos, si no que podamos ver cada expresión artística abstrayéndonos de los concomimientos o concepciones previas que tengamos de los esté representado, abriendo la mente a expresiones que nos aporten un conflicto con lo que arraigamos en la mente para poder de este modo apreciar lo que los artistas nos quieren enseñar.

LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA.

El texto comienza hablándonos de la relación entre lo que consideramos bello y el mundo más lógico de las matemáticas, ya que todo guarda unas proporciones y relaciones en base a cánones de este tipo que nos hacen apreciar la belleza cuando se cumplen estas premisas. La proporción así como otros indicadores, aportan la belleza.

Primeramente se nos muestra la relación entre las matemáticas y la música en base a los estudios realizados sobre objetos cotidianos que fueron los precursores del estudio musical, asociando la musicalidad de objetos a su longitud, peso, etc… . Algo parecido a lo explicado anteriormente sucede también en la arquitectura, donde existen cánones basados en relaciones y proporciones matemáticas asociadas a longitudes de elementos y su posición cuidadosamente elegida.

El mismo estudio de las formas fue llevado a la figura humana, que en la antigüedad asocia lo bello a lo armonioso y lo simétrico, de ahí las expresiones artísticas de la época relacionadas con la figura humana, nos muestran cuerpos que se encuentran cuidadosamente estudiados y representados de una manera muy simétrica expresada a nuestro juicio actual en lo que sería una representación muy rígida o poco estética pero que cumplía con los cánones de la época de lo que es considerado belleza, una belleza basada en la rectitud, lo cuadrado, lo impar, la edad antigua termina con diferentes apreciaciones sobre el tema que nos ocupa, de este modo cambió la concepción inicial con el paso del tiempo y también según la cultura que se tomase como referencia, ya que las proporciones eran diferentes por ejemplo entre griegos y egipcios. En la edad media se produce otra variación en los cánones y aparentemente se abandonan las proporciones matemáticas, sin embargo en esta época la proporción humana está relacionada con el número cuatro por distintas expresiones y razonamientos de la época, también de manera paralela otros importantes estudiosos relacionan el 5 como ese número que cuadra las dimensiones de la realidad humana.

Todas las proporciones que se han abordado a lo largo del texto, se aplican a realizadas mucho más amplias, de este modo también abordamos de manera proporcional la realidad del cosmos, atribuyendo también belleza a proporcionalidades relacionadas con figuras geométricas relacionadas con objetos o incluso elementos humanos, así como la perspectiva de determinados objetos.

La concepción de lo bello evoluciona  a posturas en contra de la proporción que ven belleza en objetos que no cumplen la proporcionalidad perfecta, por ello  se aprecia una tendencia hacia un punto de vista menos ordenado y menos equilibrado de la realidad en lo que a proporciones se refiere, estos estudios llegan a puntos de discusión que hacen cuestibarse modelos que afectan incluso a las proporciones planetarias del universo.

Este texto nos hace reflexionar sobre la evolución histórica para asociar la belleza a cánones que nos ayuden a aunar criterio a este respecto, una manera de adoctrinamiento de la percepción, una búsqueda de aunar puntos de vista y tendencias afectadas por factores no solo matemáticos si no influidos por hechos culturales que nos han marcado en momentos históricos diferentes.

TEMA 3. MODOS DE VER.

El texto comienza el texto reflexionando que los seres humanos nos guiamos por lo visible, es decir por lo que percibimos por la visión, esto que percibimos es la realidad que conocemos, por esto se hace importante y casi imprescindible la necesidad de buscar instrumentos para la visión que puedan ampliar nuestros límites, aportándonos distintos puntos de vista. Se establece como uno de los principales hitos de la reflexión anterior la cámara de televisión y por la que percibimos la realidad, junto con otra serie de artefactos que hemos creado a lo largo de la historia y por los que  visualizamos la realidad, incluso el pasado o ideas del futuro.

John Berger creó un programa televisivo “Modos de Ver”, en el que se dedicó a mostrar al espectador obras de arte a las que cambió el color, las figuras, las escenas, etc.., esto supuso romper con la exactitud de las obras de arte tal y como se habían concebido hasta ese momento. La finalidad perseguida era provocar al espectador la capacidad de percibir y sentir las obras de tal modo que se estimule, por decirlo de algún modo la capacidad de profundizar a través de la percepción visual en lo que las obras de arte pueden transmitir.

En el libro del que consta este resumen busca a través de cuatro ensayos provocar efecto similar al provocado por Berger usando en una primera parte texto e imágenes para terminar solo con imágenes.

A través de la visión construimos el mundo con palabras, pero el conocimiento y la explicación nunca se adecuan a la visión. La visión está en continuo movimiento aprendiendo y formándose un aprendizaje recíproco de la visión que es más importante que la del diálogo hablado.

Las imágenes durante la historia, se han realizado para evocar la apariencia de algo que en realidad está ausente, para posteriormente ser el resultado de una creciente conciencia de individualidad, acompañado de una conciencia historia.

Cuando vemos una obra de arte, en ella intervienen suposiciones como: belleza, genio, forma, gusto, etc. Al contemplar un cuadro aceptamos características como las que hemos comentado anteriormente, ya que vivimos en una sociedad de relaciones sociales y valores morales, dándole a los cuadros una importancia psicológica y social, sobre todo porque convence a las personas que los ven, haciendo como si los conociesen.

La perspectiva está sometida a la convención, haciendo del ojo el centro del mundo visible y ordenándolo en función del espectador. Cuando se produce la cámara cinematográfica, muestra que el concepto del tiempo es inseparable de la experiencia visual, dependiendo del lugar en el que estamos, esto cambió la manera de verla pintura al trasladar esta experiencia a esa realidad.

En la era de la reproducción pictórica, la significación de los cuadros no estaba ligada a ellos, ya que una imagen cuando es utilizada para fines distintos, pierde su origen, perdiendo su fin principal, ya que cuando se utiliza un cuadro por una cámara cinematográfica, su valor es solo material para el argumento del realizador.

TEMA 4. ARTE, EDUCACIÓN Y CRETIVIDAD

Al comienzo del texto el autor, Juan Carlos Arañó Gisbert, reflexiona sobre lo que entendemos como creatividad en las artes plásticas y visuales y como cuantificamos la misma, que manera tenemos de percibir o valorar esta cualidad. El autor nos plantea la idea de transmitir al texto la concepción de la duda sobre el concepto de creatividad.

Entendemos la Cultura como un conjunto de formas simbólicas, es decir, acciones intencionadas, objetos y expresiones de varios tipos producidos, transmitidos y recibidos en contextos socialmente específicos e históricamente estructurados utilizando procesos igualmente específicos para tales contextos. Estas formas simbólicas son guiadas desde el punto y momento de su origen por modos de transmisión cultural específicos.

Extraemos la cultura de la forma que adopta por medio de la adquisición del conocimiento construido desde la educación, de una forma estructural, debemos conocer las formas que adopta la cultura, descubriendo el espacio y el tiempo, ya que estos elementos permitirán interpretar y comprender el símbolo cultural.

El punto de vista de lo artístico es constructivo, posee una unidad estructural, intuitiva y tener un carácter de racionalidad que es propio de la realidad humana.

Entenderemos el Arte como un fenómeno cultural, de carácter universal que afecta a todas las personas, grupos sociales y culturas, es decir afecta a todos los individuos, tal vez en distinto grado pero no produce indiferencia. En la Educación Artística existen distintas ramas, no vinculándose a distintos contenidos del arte y por consiguiente, a los alumnos se les inculca una concepción errónea de lo qué es arte, no percibiendo su globalidad. Se hace importante en este aspecto la actuación del profesor, cuando valores los pensamientos y sentimientos en su actuación, transformando el sentido y condicionamiento del Arte.

La educación artística como una actividad en el que el individuo es capaz de intervenir u observar su contexto, como resultado de esta intervención reproduce ideas, formas o expresa una experiencia. Por lo que, la educación artística, supone un acto cultural de aproximación a la propia cultura. Destacando la importancia de la observación en la actividad humana para construir conceptos previos a los que poseemos. Si queremos que la educación artística sea significativa, debemos de partir de los intereses y conocimientos de los alumnos.

El artista opera e interrelaciona el contexto en sus obras, por lo que su intervención es considerada socialmente creativa cuando supera a la realidad en sus producciones.

La creatividad supone el arte de crear e implica la libertad de acción y esto lo vemos reflejado a lo largo de los periodos históricos. El rasgo más importante que incluye en todas las áreas en la creatividad es la novedad, transformada en innovación.

Podemos destacar distintos de creatividad en las artes plásticas: la conducta que no acepta límites, definida como la evolución de formas artísticas, conducta inventiva referida a la creación de temas o formas nuevas, la conducta que supera los límites y la conducta organizadora estética se refiere al ordenamiento de formas especificas para constituir un todo coherente, armonioso y equilibrado.

TEMA 5. HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL

Se nos presentan dos grandes grupos de herramientas para presentarnos el lenguaje visual: Herramientas de configuración, con las que construimos significantes y significados de los mensajes y Herramientas de organización con las que organizamos y jerarquizamos los acontecimientos.

Herramientas de configuración:

El tamaño. Cuando hablamos de tamaño barajamos distintos criterios de selección para esta herramienta que usamos tomando como referencia las dimensiones del espectador; en primer lugar valoramos el impacto psicológico que relaciona la relación física entre espectador y objeto produciendo distintos efectos dependiendo de ser más grande i mas pequeña que este. El efecto de notoriedad, cuando por ejemplo se sobredimensiona un objeto a un tamaño muchísimo más grande del que posee habitualmente siempre provoca una atención especial y por último el criterio de comodidad relacionado con la elección del tamaño que no debe ser elegida a la ligera

La forma. Puede clasificarse en dos grupos; Formas orgánicas o naturales y Formas Artificiales. También se dan tres niveles de selección de los recursos formales: Selección de la forma del producto visual como objeto, cuando hablamos en este caso de formato , atendiendo a la presentación bidimensional de la mayoría de ilustraciones. La forma del contenido del producto visual se otorga significado, tanto a la forma de los contornos y al contenido del objeto. La forma del espacio que alberga el producto visual cuando forma parte del significado.

El color. Es una herramienta visual cargada de información es de los recursos visuales más importantes en cuanto a su percepción. Existen dos subgrupos de colores primarios conocidod como colores pigmento mezclados mediante síntesis sustractiva, que son Cian, Amarillo y Magenta, y los que percibimos en las imágenes y que no pueden ser retocados, que se mezclan mediante síntesis aditiva y son rojo, verde y azul

La iluminación. Esta herramienta transmite significados a dos niveles, el tipo de iluminación, que elige el autor en el contenido intrínseco del objeto y el tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior. En ambos casos, se dan cuatro criterios para la selección de la iluminación: tipo de fuente (artificia o natural), cantidad (claves altas o claves bajas), temperatura (caliente o fría), orientación (a favor de la lectura, a contralectura o picado y contrapicado)

La textura. Se refiere al material elegido como soporte y construción de la imagen, es decir el material del producto visual, trabajando con la textura de los materiales que se aplican al soporte y la textura del propio soporte.

Herramientas de organización:

La composición. Referido a la ordenación de las herramientas del lenguaje visual dentro del espacio que ocupan dentro del soporte. La composición de la imagen es importante en la función del mensaje que se desea transmitir.

La retórica visual. Se usa para poder conectar significados de componentes del producto visual. Es una manera de organización de los elementos del lenguaje visual y se utiliza cuando queremos transmitir un sentido figurado distinto del que realmente se esta mostrando.

TEMA 6. LA CONQUISTA DE UN CONCEPTO DE LA FORMA. La fase esquemática, de 7 a 9 años.

En el desarrollo del niño este desarrolla una simbología para los objetos o personas que le son más conocidos o con los que más se relaciona, a esta simbología de los objetos cotidianos, es lo que se denomina esquema. Los esquemas son particulares de cada niño, y pueden ser más o menos complejos.

Características de los dibujos esquemáticos.

El esquema humano. Sobre los 7 años la figura humana es un símbolo reconocible para el niño. Suelen presentar generalmente un esquema simétrico consistente en formas geométricas que añaden más o menos detalle, pero que suelen contar con los elementos básicos de la fisionomía humana.

El esquema espacial.  Los niños no ubican los elementos que plasman aleatoriamente, para ellos todos están ubicados sobre el suelo, por ello suelen plasmar una línea básica sobre la que colocan los distintos elementos de los dibujos. La línea básica es parte del desarrollo natural infantil y es universal a todos los individuos.

Existen otras representaciones para el espacio que no son la línea básica, como son las representaciones espaciales subjetivas, como por ejemplo el plegado o mezclas de plano y alzado.

Representaciones en rayos x. Cuando por ejemplo un niño describe o representa de manera simultánea el interior y exterior de un edificio, concentrándose en la explicación que desean plasmar del interior generalmente.

Representaciones de tiempo y espacio. Estas representaciones incluyen en el dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas, este recurso se usa para contar historia plasmando sucesos encadenados en orden.

Significado del color y del diseño. El niño descubre naturalmente la relación existente entre color y objeto, relacionando y clasificando la misma por categorías y géneros, encontrando un orden lógico de lo que les rodea, el niño comienza a identificar que el cielo es azul, la hierba es verde, etc…

El desarrollo del niño en la escuela primaria.

El niño refleja por medio de los dibujos un orden en el medio ambiente, usando fórmulas para una conducta adecuada, que pueden resultar incoherentes para un adulto pero sin embargo muy importantes para la vida del niño. Las leyes y normas de conducta se pueden decir que constituyen un esquema en otra área en el desarrollo del niño.

Los niños de educación infantil tienden a desarrollar más actividades de manera individual no buscando los juegos o actividades cooperativas.

Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo.

Los dibujos que realizan los niños muestran las diferencias particulares que existen entre ellos, de hecho uno de los indicadores ara el conocimiento del intelecto infantil es la percepción del mundo que tiene a su alrededor y que este plasma a través de los dibujos.

El conocimiento activo del niño revela su concepto del mundo que lo rodea y su interés por ello, y esto es lo que expresan en los dibujos.

Motivación artística.

El docente debe buscar la estimulación de los alumnos, creando un ambiente propicio para este desarrollo artístico, cualquier motivación debe originar y estimular un intenso deseo de crear una obra significativa y debe animar a los niños a ser flexibles en su aproximación tanto en materiales como en tema.

El tema.

En un punto de vista ideal no debería de ser necesario proponer tema alguno, pero todos los estímulos que se encuentran desde el entorno del niño lo condicionan en cierto modo.

Materiales artísticos.

Los materiales usados son muy relevantes , pero lo más importantes ha sido la participación del material y su importancia en la creatividad del niño, facilitando su expresión.

TEMA 7. TEORÍA DE LA ENSEÑANZA ARTÍSTICA.

Este texto del autor López Salas J.L. comienza con la reflexión de Eisner que considera que el aprendizaje artístico tiene como dominios el productivo, el crítico y el histórico, en el que se establecen tres tipos de curriculum:

1. Programas orientados al taller.

2. Diseño creativo: resolver de forma no ambigua y carácter estético.

3. Enfoques humanísticos o relacionados con las artes

El enfoque que debe darse desde la educación, debe ser más amplio orientándose a los actores educativos.

El artículo realiza una evolución de cómo se ha realizado el estudio de la educación artística desde primaria hasta la Facultad de Bellas artes y de quien lo ha impartido.

Por lo que, se realizan una serie de orientaciones que han de tener en cuenta los docentes, son:

• Educación por el arte: supone el utilizar el arte para todos los aspectos de la educación.
• La expresión plástica entendida como lenguaje: el arte es expresión y nos comunica, dejando impresa la huella psicológica del artista. Por lo que, se considera Educación como una comunicación.
• La expresión plástica como actividad creadora: se pretende transmitir los hábitos creativos de la actividad plástica a todas las demás actividades humanas.
• Tradicional entendimiento de la actividad plástica como una extensión de la artesanía.
• Tendencia actual orientada al diseño: nace con la era industrial, dibujando cuanto se produce, atendiendo a aspectos técnicos, pero sin olvidar acabados estéticos. Por lo que, se da importancia a la expresión gráfico-plástica.
• La expresión plástica como elemento globalizador de la educación.
• Desarrollo de la sensibilidad estética.
• Educación de la visión artística: se a de tener en cuenta el currículo, en concreto el medio, dónde se va a impartir la asignatura y a quienes va dirigida.

El arte supone la historia cultural de una población. Por lo que, dos aspectos que justifican la necesidad de la educación artística, son:

• Histórica: el hombre siempre ha producido y ha disfrutado del arte.
• Biológica: la producción de obras, siempre ha sido innato al ser humano, ya que siempre ha sentido una necesidad de dibujar.

Eisner expone que una persona dedicada a practicar arte, tiene una necesidad clara, que es el placer estético. Además, algunos autores resaltan que los niños empiezan a dibujar por motivación y que la energía que emplean los niños en su crecimiento se mide en actos, si se les refuerza su autoestima, se conseguirá el placer de carácter estético y se podrá hablar de arte infantil.

Cada época histórica ha supuesto de unas obras y de una forma de representarlas distintas, con autores que nos han querido transmitir pensamientos, formas, mensajes, etc… en sus obras arquitectónicas, esculturas y pinturas, ya que enmarcan un periodo histórico que han de transmitir cuando se contemplan las mismas.

TEMA 8. EL HIPERDESARROLLO DEL LENGUAJE VISUAL.

La autora de este texto, María Acaso reflexiona sobre la característica de que el área de las artes cuenta con un leguaje especial y específico, lo que pretende es dar una visión de cómo se utiliza el lenguaje visual en una perspectiva moderna o actual, la autora se apoya en las reflexiones del filósofo Guilles Lipovetsky, que aplica el término hiper a la sociedad consumo actual. En la sociedad actual todo se ha producido de una manera vertiginosa, también se desarrolla el término mundo imagen, que describe un mundo el cuan se encuentra dominado por la oferta continua a la que nos vemos sometidos. En la evolución al hiperdesarrollo del lenguaje visual han sido importantes tres factores: El desarrollo de la técnica, la Especularización de los mensajes visuales y el desarrollo del hiperconsumismo.

 La autora reflexiona también en los acontecimientos que la técnica ha ido aportando a la sociedad y como el desarrollo de diferentes instrumentos ha provocado cambios y desarrollo entre otros en el lenguaje visual, por ejemplo considera muy importante el avance en el software para el retoque de imagen gracias al que podemos alterar cualquier imagen capturada por los diversos dispositivos que tenemos a nuestro alcance.

Otra reflexión sobre el hiperdesarrollo del lenguaje visual, hace referencia a la necesidad que tenemos de mostrar a todos las experiencias que nos ocurren mostrar las imágenes de todo lo que nos sucede. Tenemos la aspiración de adquirir cuantos más productos mejor y mediante el lenguaje visual los desarrollamos.

En la sociedad en la que nos encontramos todos los individuos estamos deslumbrados por el espectáculo, aspiramos adquirir la mayoría de los productos posibles con la finalidad principal de exhibir los productos . Las experiencias hipervisuales, también nos han llevado a la propagación de imágenes y contenidos de carácter violento o indebido, ya que disponemos de numerosas herramientas para su desarrollo.

No solo nosotros exhibimos imágenes, también existe una corriente de producción de imágenes que se han creado para nosotros, para que las consumamos. Marcas y empresas utilizan herramientas visuales y el lenguaje visual para transmitirnos mensajes que sin usar el lenguaje de una manera muy explicita nos transmiten mensajes que de otro modo quizá no podrían transmitirnos. Por tanto para el hiperconsumismo se hace necesaria una hiperestimulación visual, para crear la necesidad de consumir los artículos que nos propongan. La fuerza de las imágenes hacen una nueva forma de publicidad que hace que las grandes marcas se conviertan en inmensas producciones visuales.

TEMA 9. “EXPLORA GUERNICA”: Unir los sentidos para conocer la obra clave de Picasso. Un programa educativo de accesibilidad para personas con discapacidad visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

EL texto de S. González D´Ambrosio, nos reflexiona sobre la necesidad de desarrollar iniciativas para las personas con discapacidad en todos los ámbitos, es por ello, que también se debe plantear esta idea de hacer accesible la expresión artística al colectivo de personas con discapacidad visual, por ello en este texto se nos describe una actividad desarrollada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con la Fundación ONCE para realizar programas de colaboración y accesibilidad a usuarios invidentes en este Museo, pero concretamente este artículo analiza el programa “Explora el Guernica”.

Se realiza esta actividad concretamente sobre esta obra de arte por la relevancia que ella posee, tanto histórica como por las sensaciones y percepciones que nos puede provocar. En esta actividad se busca emplear estrategias que lleven al conocimiento y percepción del espacio físico de la sala, auditivo de la narración de los hechos y significados de la obra, táctil por la exploración de diagramas y visuales. Esta obra por el contexto histórico y la realidad de su ejecución pueden permitir añadir factores o sensaciones multisensoriales no solo sobre la propia obra, si no sobre lo que la rodea.

DISEÑO DE MATERIALES TÁCTILES. Se hace hincapié en la necesidad de crear para los discapacitados visuales adaptaciones táctiles con la finalidad de reforzar y potenciar las explicaciones verbales. Se desarrollaron diagramas de papel microcapsulado como recurso, entre otros beneficios permitía que el usuario se llevase el material. Por las dimensiones del cuadro y la cantidad de matices, se realizaron seis diagramas, una lámona con el cuadro general y cinco más donde plasmar los detalles, como posturas, rasgos, expresividad, etc.. Las posibilidades del cuadro al tratarse de un cuadro con una perspectiva particular y con práctica ausencia de colores facilitaría la adaptación, del mismo modo se destaca la necesidad de compaginar las láminas con la presencia de un educador que guie la experiencia.

DESARROLLO DE LAS SESIONES EDUCATIVAS. Como objetivo principal del programa se cita el de impulsar el acceso al conocimiento y disfrute de las colecciones del Museo por parte de las personas con discapacidad visual, así como la valoración de las artes plásticas como un medio efectivo para acercarse a la cultura y para entender la historia y la sociedad actual, con este objetivos general y otros específicos, se busca que se entienda y disfruten todas las dimensiones que la obra ofrece.

En el desarrollo de la metodología de la actividad las sesiones se estructuran en cuatro partes diferenciadas:

-        Visita a las salas de exposición para el contacto directo con obra y espacio físico.

-        Explicación verbal de la obra.

-        Exploración de los diagramas táctiles.

-        Realización de un taller de creación.

Los resultados y buenas valoraciones de esta iniciativa se hacen patentes con los buenos datos que son aportados por el autor.

TEMA 10. DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O ARTÍSTICA.

El texto de Ricardo Marín Viadel, nos habla de la didáctica de la expresión plástica, indicando que tiene por objeto el estudio la educación artística y estética, estableciendo cuatro elementos: enseñanza, dibujo, alumnado y escuela.

Se desarrolla en otras instituciones independientes del sistema formal, extendiéndose a cualquier colectivo, se plantean una serie de preguntas: qué, cuándo, en qué contexto, con qué medios, a qué nivel de calidad, qué presupuestos epistemológicos, quién debe enseñar, para qué aprender y por qué educarse artística y estéticamente.

Se trata de conjunto de disciplinas, cuyo objeto de estudio es el aprendizaje artístico y su función es la formación del profesorado de artes visuales. Esta Didáctica surge desde un punto de vista institucional, en Primaria y Secundaria.

Tiene como objetivo el conocimiento mediante la creación de imágenes. Se definen cuatro rasgos:

• El procedimiento o sistema mediante el que se va a lograr el conocimiento artístico es la creación de imágenes.
• La educación artística aborda tanto los fenómenos naturales como los acontecimientos culturales.
• La educación artística enfoca su atención hacia cualidades visuales y a través de ellas a sus elementos constructivos, funciones simbólicas y valores artísticos y estéticos.
• Este tipo de enseñanza tiene una triple dimensión: comprender, gozar o disfrutar y transformar o representar.

Las tendencias contemporáneas en Didáctica de la Expresión Plástica son: educación artística multicultural, educación artística feminista, educación artística medioambiental, educación artística multimedia, educación artística postmoderna, educación artística como disciplina, arteterapia, gabinetes y departamentos didácticos de museos, galerías e instituciones.

La historia de la Didáctica de la Expresión Plástica comenzará con la existencia de libros dirigidos al profesorado de dibujo; con la existencia de instituciones, asignaturas y profesionales dedicados a la formación del profesorado de las materias artísticas y la existencia de Congresos, Revistas y Sociedades dedicadas al estudio de la enseñanza del dibujo en la Enseñanza Obligatoria.

La organización institucional se imparte en centros independientes especializados en Educación Artística, especializadas en el seno de Facultades de Educación y Formación del Profesorado y departamentos o escuelas de Educación Artística en Facultades o Academias de Bellas Artes o Artes Visuales.

En España el desarrollo institucional se tiende en el área de conocimientos de Didáctica de la Expresión Plástica, presencia de profesorado especializado en universidades españolas, excepto en universidades politécnicas, el reducido número de profesorado en el áreaes un problema grave.

La Educación Artística está presente en todos los ciclos y niveles del sistema educativo, a través de áreas curriculares, asignaturas o especialidades.

Los contenidos de Educación Primaria son: la percepción de formas e imágenes, la producción de obras artísticas y la morfología y sintaxis del lenguaje plástico.

Los contenidos de Educación Secundaria son: la comunicación visual, los elementos del lenguaje visual y sus relaciones, la forma y el volumen, el análisis de los valores artísticos y estéticos en las imágenes y las obras de arte y los lenguajes integrados.

Al concluir la Enseñanza Obligatoria, la enseñanzas artísticas se diversifican en el Bachillerato Artístico, las especialidades vinculadas a las artes visuales en la Formación Profesional y las enseñanzas de Artes Plásticas y Diseño que imparten las Escuelas de Arte.

En la Formación Profesional y en las Enseñanzas de Artes Plásticas y Diseño se accede a los grados superiores que conducen al título de “Técnico Superior”.

Existen pocas titulaciones oficiales de educación artísticas, con lo que podemos extraer del texto la necesidad de mejorar sus condiciones.