ISIDORA CÁNOVAS GARCÍA

TEXTO 1: LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR.

Se cree que lo creativo y lo artístico son calificativos inseparables, pero sin embargo es la forma de abordar y desarrollar la expresión plástica la que hace que lo sea. Realmente en el aula poco se enseña de ambos.

Esta área queda marginada en el currículum de la educación, ya que se considera más bien un adorno generado un poco quizá por varias causas:

·         Poca valoración social, por dos sentidos; primeramente el sentido peyorativo, no es algo productivo o necesario para la sociedad y en segundo lugar, en sentido pragmático, ya que se considera privilegio de artistas.

·         Docentes poco preparados académicamente, habiendo disparidad de criterios y confusión conceptual, pedagógica y didáctica.

La educación artística ha ido evolucionando a lo largo de los años. Antes de los 70, se consideraba como una habilidad manual y destreza para el dibujo a través de la reproducción de patrones. Ya en los 70, hubo un desbloqueo de la creatividad, ya no se limitaba a la copia de patrones, sino que aparecieron los talleres; pero sin motivo, ni porqué, ya que era el hacer por hacer.

Entre los 80 y 90, se le pretende cambiar el nombre, ya que al ser una disciplina es un lenguaje plástico.

Enfocando hacia el futuro de esta disciplina, se pretende enseñar a saber ver (capacidad de recibir) y a saber hacer (emitir), aplicando al lenguaje visual creatividad en sus procesos en sus tres escalones:

1)    Interiorización- recepción: sensaciones, percepciones y elementos cognoscitivos.

2)    Reflexión- trasformación: reelaboración de datos con toque personal.

3)    Expresión- comunicación: Proyección exterior y elaboración de la obra.

De sobra es sabido que el tiempo de formación academica de esta área es inferior a otras y limitada.

Encontramos nuevas propuestas para la formación pero chocamos nuevamente con el limitado criterio estético de los centros, ya que las propuestas pedagógicas se ciñen a lo propuesto por las editoriales, la copia y repetición de estereotipos.

Sin embargo, deberíamos tener una oferta flexible e interdisciplinar para el desarrollo general del individuo, favoreciendo en este caso, al desarrollo artístico y pedagógico de los maestros ofreciendo así una nueva forma de expresión, la del lenguaje artístico. Trabajando con metodologías propias de las artes.

En mi opinión, este texto refleja la realidad actual en la que se encuentra esta disciplina, por las diversas causas citadas. Pienso que en las aulas deberíamos incitar a los alumnos a que sean creativos y no imponerles un libro que lo único que permita sea copiar y repetir.

Así coartamos su libertad de creación y “encarcelamos” la creatividad, la imaginación, la fantasía… dejando que hagan réplicas exactas sin dar rienda suelta a su pensamiento artístico.

TEXTO 2: EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURA. UN PROYECTO DE DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LA FORMACIÓN INICIAL DEL PROFESORADO. ALFREDO PALACIOS.

Según este autor trabajar por proyectos ayuda al docente. Normalmente la expresión artística es tomada como actividades aisladas y al trabajar mediante esta metodología, el énfasis recae en diferentes aspectos bien sean conceptuales o procedimentales, siendo la educación artística un área idónea para los enfoques proyectuales y globalizadores.

La fragmentación se debe a la metodología; se trabaja en espiral, repitiendo conceptos año tras año, pero realmente no llegamos a cumplir los objetivos curriculares. Las razones son:

1)    Se concibe la educación artística como desarrollo de la autoexpresión creativa, debería ser la creatividad quien guiase el proceso educativo (R. Marín, 1997).

2)    Escasa formación del profesorado, sabemos mucho de didáctica pero nada de procedimientos. Hay muy poca innovación pedagógica, sobre todo en como aprenden los niños y en como evaluamos los docentes.

Como se ha citado anteriormente, al trabajar mediante proyectos se lleva a cabo un trabajo tanto conceptual como procedimental, plasmando en el papel todo lo aprendido en la búsqueda de información.

Es importante que tras el trabajo, se haga autoevaluación de los alumnos además de la evaluación docente. La riqueza de un proyecto reside en plasmar la complejidad del conocimiento de la realidad y que la motivación vaya aumentando a medida que avanza el proyecto. Muy útil reflejar los pasos realizados y el resultado final.

En mi opinión, trabajar por proyectos hace que los niños aprendan mucho más y adquieran los conocimientos mejor, ya que son ellos los artífices de su propio aprendizaje. La realidad es que esta metodología lleva muchísimo trabajo para el docente y en los centros apenas te dejan tiempo para preparar material; las editoriales no te ofrecen nada que no sea copiar y reproducir.

Pero sí creo que esto pueda llevarse a la práctica. Primeramente visualizando los objetivos propuestos según el ciclo y después proyectando trimestre a trimestre los conceptos, no solo plasmando las actividades en papel, sino llevarlas a otro ámbito, incluso en la calle, con otros materiales, en fin de diversas maneras.

TEXTO 3: EL ARTE Y LOS ARTISTAS.

Según este texto no hay arte, solo hay artistas. Los artistas pueden plasmar a través de retratos la realidad desde diferentes puntos de vista al igual que quien los observe tendrá diferentes gustos y opiniones hacia ellos. La hermosura de un cuadro no reside en la belleza de su asunto.

 Varían los gustos y criterios acerca de la belleza, igual ocurre con la expresión. Esta última es muy importante en los personajes retratados porque está hará que nos guste más o menos el cuadro en sí.

La facilidad de comprensión en la interpretación de un cuadro o retrato ayuda a que nos guste más o menos, aunque no debería ser así. No por tener menos detalles quiere decir que sea menos bueno.

El abocetamiento,  molesta a los que prefieren que el cuadro parezca real, no les ocurre esto con las imágenes de Disney  pero sí con los artistas.

Tenemos que tener en cuenta dos detalles antes de sacar faltas a una obra o a su autor:

1)    Cuales han sido los motivos por los que el autor ha realizado así la obra.

2)    Tras la interpretación pensar, la equivocación es del autor o es de quien mira.

Tenemos las ideas tan preconcebidas que cuando aparecen las cosas de otra manera nos desagradan. El mayor obstáculo es nuestra repugnancia a despojarnos de costumbres y prejuicios. La anécdota del cuadro de San Mateo y el Ángel de Caravaggio es un claro ejemplo de lo citado anteriormente.

Los artistas, son por lo general gente callada que consideran embarazoso usar términos como belleza, sensibilidad, emoción…ya que los dan por supuestos en sus obras, son ellas quienes hablan de esos matices. La preocupación de los artistas es “acertar”; podemos ver si lo han hecho o no a través de nuestra experiencia, ya que aunque no seamos artistas en nuestro día a día tomamos decisiones en las que un poco más o un poco menos acaba rompiendo el equilibrio de que la cosa sea como debe ser.

Una vez vencidas todas las dificultades, ha logrado la perfección en nuestro muy imperfecto mundo. Nunca se acaba de aprender en lo referente al arte, ni tampoco se puede decir en este ámbito sobre gustos no hay nada escrito, porque estos pueden desarrollarse.    

En mi opinión, cada autor tiene sus características propias y estoy totalmente de acuerdo en que, no por tener menos detalles una obra tiene que ser menos buena que otra que tenga más. Es importante que estos conocimientos los llevemos al aula, para que los niños puedan aprenderlos pero no conceptualmente, más bien yo llevaría tres cuadros diferentes, uno con muchos detalles, otro con detalles  y un último con pocos detalles. Entonces en el aula iríamos desmenuzando cada uno de ellos, dando opiniones, observándolos minuciosamente… así es como realmente se aprenden, bajo mi punto de vista, los conceptos; trabajándolos en vivo.

TEXTO 4: LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA.

En este texto la clave de la belleza es la proporción, ya que sin ella, no hay ni belleza,  ni deleite. La proporción se halla primeramente en los números, ya que son estos la esencia del universo.

En lo referente al cuerpo humano, para los pitagóricos, la armonía consistía en oposición: par/impar, limite/ilimitado, unidad/multiplicidad… Al fin y al cabo para estos, la armonía no era ausencia de contrastes sino equilibrio, o lo que significaba igual: relación exacta= belleza.

Tenía que haber una justa proporción y simetría para que hubiese armonía, pero la simetría por sí sola no bastaba.

Cada escultor/autor utilizaba medidas según su cultura y sus exigencias de la propia visión. Los antiguos se guiaban porque arte= naturaleza. Para ellos el número 4 junto con el 5, primaban sobre todo.

El número 4 en referencia a los 4 puntos cardinales, las 4 estaciones, las fases de la luna…

El número 5 porque estaba lleno de correspondencias secretas, pentade, perfección mística y estética.

En cuanto al cosmos y la naturaleza, el hombre, cuerpo y alma, están sometidos a las mismas reglas para llegar a la armonía del cosmos.

Con respecto a otras artes, la perspectiva, el realismo y la belleza son un conjunto perfecto para agradar a la vista.

En la adecuación al fin, Tomás de Aquino dice que la claridad aporta belleza, nitidez, integridad además de la proporción. Es necesario que la materia se adapte a la forma y la belleza moral. Por ello, la adecuación al fin, nos indica que la creación debe tener una relación con la realidad, ya que sino,  la creación podría considerarse fea o superficial; también tiene que tener una colaboración mutua de las partes que la componen.

La belleza de la proporción a lo largo de la historia ha ido variando en todos los siglos cambiando su sentido de proporcionalidad con el paso del tiempo. Lo puramente armónico era típico de los primeros siglos/ Edad media donde solo se valoraba lo estable y lo eterno, las bellezas terrenales/ externas, nada de sensibilidad y consistencia física.

En mi opinión, este texto ha sido de los más complicados de entender, con respecto a la asignatura en sí, quizá por la mezcla de ámbitos que abarca el texto, quizá por la diversidad de conceptos; la cuestión es que conceptos como proporción, belleza, armonía, simetría, equilibrio, perspectiva, superficialidad y la propia visión, son puntos clave, bajo mi punto de vista, para la enseñanza y aprendizaje de la educación artística del alumnado de primaria.

Todo esto unido a libertad de expresión, al desarrollo de la creatividad y la negación de copiar replicas, llevaría a nuestros alumnos a entender perfectamente el mundo del arte y sus cualidades.

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En estas primeras láminas, se pueden apreciar como con papel rasgado se pueden hacer diferentes dibujos simples, fáciles hasta para los más pequeños, pero también se pueden ir complicando, añadiendo formas o figuras más complejas para los niños más mayores (2º y 3º ciclo de primaria).
Mediante esta técnica, les enseñaremos a los niños, como a través de su imaginación y con algo de tiempo podemos encontrar utilizando los mismos materiales, diferentes dibujos según la creatividad de cada uno/a.

LÁMINA SIMPLE 

LÁMINAS COMPLEJAS

EXPRESIONES

CUADRO CON PAPEL RASGADO

A partir del cuadro de Miró, Quienes somos, he realizado con papel rasgado una imitación de este. A través de esta actividad pienso que los niños más mayores pueden realizar verdaderas obras de arte, siempre y cuando se le haya fomentado la creatividad desde los cursos anteriores.

DIBUJO CON CUADRÍCULA

 DIBUJO SIN CUADRICULA

Tras la realización de ambos dibujos, lo que se quiere dar a entender a los niños, es como con la ayuda de un espacio limitado y guiado como es la cuadrícula, se pueden hacer muy buenos dibujos siguiendo las lineas, con mucha más facilidad que en dibujo libre (sin espacios limitados). Yo en este caso preferí hacer un cuadrado para que me resultase más fácil la realización del dibujo ya que dibujar no es una habilidad que me caracterice.

JARRÓN CON ARCILLA

TRES EN RAYA DE BÚHOS CON ARCILLA

A través de un material moldeable como es la arcilla, podemos dar a observar a los niños lo divertido y ameno que es crear un juego de mesa con materiales tan sencillos como: arcilla, pintura y pincel. La imaginación y la creatividad van de la mano en esta actividad, ya que a partir de un rectángulo de arcilla tiene que apreciarse el trabajo de cada uno/a. Saldrán seguro, tantas ideas como niños haya en el aula.